De Ushuaia a la Quiaca

Clínica de poesía en la radio

2012-02-03T11:37:00.000-08:00

El año pasado, durante la edición del XIX Festival Internacional de Poesía de Rosario, realizado en septiembre, recibimos en nuestros estudios a varios de los poetas que participaron en las mesas de charlas y lecturas. Beatriz Vignoli, Daniel Garcia Helder, Julia Miranda, Sonia Scarabelli (Ros), Amanda Poliéster (Ros), Rosa Chávez (Guat), Liliana Ancalao (Com Riv), Juan Dicent (Rep Dom) y Lalo Barrubia (Urug).

:::: Poesía y capitalismo, resistencia, González Tuñón, guerra civil española, poesía como una mirada, lenguas y dialectos originarios, colonización, comunidades lingüísticas, traducción como un tapís al revés, música, tradición de mujeres tejedoras, críticas y reseñas, inteligencia infinita, performance, influencias, el acto de escribir ::::

En los tres podcast que les dejamos Beatriz Vignoli - nuestra columnista de Vueltas y vueltas y vueltas en el aire -, se refiere a “cómo se para uno en relación a los demás” ante el hecho de ser poeta o escribir poesía, y dice: “Es sagrado porque se sustrae a la economía capitalista. No es que se sustrae a la economía sino que participa de otra economía, una economía del don, del potlatch”, y agrega: “El capitalismo nos está colonizando la vida, y la escritura es un lugar de resistencia en un sentido amplio. No signado ideológicamente por ningún partido. De lo humano, de aquello del hombre o la mujer que no puede devenir en maquina”.

Daniel Garcia Helder y Julia Miranda (prólogo y notas) se refieren a la figura y la obra de Raúl González Tuñón (1905-1974), poeta homenajeado con la reedición de textos dispersos e inhallables de su obra: La muerte en Madrid, Las puertas del fuego y 8 documentos de hoy.

“Raúl González Tuñón es un poeta fundamental de la historia de la poesía argentina, pero por otro lado es un caso curioso porque no tiene su obra reunida” - Daniel García Helder.

“Tuñon y muchos otros poetas de la década del veinte o treinta eran muy conocidos porque eran periodistas de diarios muy populares, como el caso de Tuñon que trabajaba en Crítica. No había una utopía de que la poesía podía cambiar el mundo. Estaba como enunciado pero se sabía que eso no era posible. Por eso Tuñon cita a Antonio Machado que durante la guerra civil escribe en el poema dedicado a Lister “Si mi pluma valiera tu pistola, de capitán, contento moriría”. Es decir el poder del arma no es el mismo de la poesía” - Julia Miranda.

Beatriz Vignoli - Daniel Garcia Helder - Julia Miranda

Rosa Chavez - Liliana Ancalao

Sonia Scarabelli - Amanda Poliéster - Juan Dicent - Lalo Barrubia

Nuevos escenarios en la web

2012-01-27T05:52:00.000-08:00

Así como el Gran Moris estaba “parado en una esquina” y lo hizo canción de Buenos Aires, yo estaba ayer a la tarde acostado sobre el borde de la pileta y empecé a pensar en los varios registros audiovisuales para la web en donde los músicos tocan en escenarios que no son “El escenario”. Es decir, un par de chicos o chicas, o un solo chico; realizador con problemas para sociabilizar o falta de presupuesto, que invitan a un músico o banda para que se toquen un tema en un lugar natural, o en uno hecho por la mano del hombre que garpe. Entonces “la fotografía” del clip te deja pasmado, con la boca abierta y los ojos a punto de lagrimear, o con un nudito en la garganta. Puede ser el jardín de una casa, o el patio de esa casa. Los lagos de Palermo o las islas enfrente de Rosario. Puede ser la orilla de un río o el subte, o puede ser un bosquecito que subraye el carácter bucólico del grupo. Y eso ya sería un mérito del realizador.

Porque una cosa es que la canción y la vestimenta de la banda sean así, de ese estilo digo, pero otra cosa es el ambiente. La atmósfera que sea crea en torno a ese lugar. Y justamente lo que intentan estos programas –me parece-, es lograr una toma nueva, que esa pieza musical adquiera otro cáliz, otro matís, que aparezca su punto neurálgico, su nudo tenso de posibilidad expresiva.

Así que me propuse presentar aquí un par de esos ejemplos que se me vinieron a la mente. Yo no sé de realización audiovisual -aunque tengo unos amigos que son muy buenos en la materia-, pero imagino que no debe ser super difícil si tenés como mínimo una cámara para arrancar. Después, los otros equipos, como un micrófono, paneles para resaltar el sol y todo eso, lo vas comprando de a poco, o te anotas en un llamado a concurso y capáz que hacés tu gol. Y además, en tren de seguir imaginando, no debe mediar dinero de por medio.

- Hola, soy Sofi, te llamo de la página tal.
- Ahh sí, como te va?
- Bien, gracias. Mirá...se copan a grabar un tema para una sección de nuestra página? Queríamos filmarlos tocando un tema de ustedes en el cerro tronador...quedaría como una especie de video clip...pero es otra cosa.
- Ahh, que bueno. Dale, dejame que le pregunto a los chicos si pueden y te llamo, ok?
- Uy sii, no hay drama. Buenísimo. Besito.

Aquí van cuatro ejemplos como para que la producción periodística no sea tan berreta, pero que tampoco me robe tanto tiempo de estar al borde del chapusón mirando los rayos del verano.

Valentín y los Volcanes haciendo Rayos del Verano para el sitio Elefante Diamante

Alfonso Barbieri tocando El Miedo en el episodio 28 de Sonido Ambiente

Onda Vaga interpretando Mambeado para La Blogoteque

Leo Garcia toca y canta Pasos para En la terraza

Noticias

2012-01-26T03:57:00.000-08:00

::: Concurso Provincial de Literatura Ciudad de Rosario 2012

“…y gana
si es posible.
aprender a ganar es difícil,
cualquier pendejo puede ser un buen perdedor”.

Si tecleaste o vas a teclear como un burro hasta lograr algo digno, al menos que sea para ganar. Así dejás contento a Charles Bukowski de quien citamos unos versos de su poema Cómo ser un buen escritor. El jurado del Concurso Provincial de Literatura Ciudad de Rosario 2012 premiará dos obras, con la la suma de tres mil pesos para cada autor y la publicación de la obra por la Editorial Municipal local en su nueva colección de nouvelle.

El concurso que te puede volver más célebre entre la manada está destinado para escritores nacidos o residentes en la provincia de Santa Fe. La extensión de las obras no deberá superar los 120.000 caracteres con espacio (aproximadamente 70 páginas tamaño A-4 a doble espacio). Los originales podrán ser enviados o entregados -desde el 2 de abril hasta el 15 de mayo- en la sede editorial, Avenida Aristóbulo del Valle y Callao, 2000, Rosario.

Descargá las bases y condiciones acá, pedilas en el stand de la Editorial (Córdoba y Corrientes), o solicitalas a emr@rosario.gov.ar.

::: Después de la lluvia abre el ciclo Verano en el Anfi

Debido a las condiciones climáticas, la fecha prevista para el sábado 21 debió suspenderse para este viernes 27 a las 21. Con entrada libre y gratuita el Anfiteatro Municipal Humberto de Nito presenta “Gran show de apertura de Carnaval 2011” con: A Pura Salsa. Comparsas El Sueño del Rey Momo, Generación Futura y Libertad; murga La Cotorra; La Cumbia con Tete; Mariano Ávila con su grupo; Fraternidad Rosario Caporales. Participación del Centro Argentino Brasileño. Locución y animación Leo Farjat.

Cronograma

Sábado 28 de enero
+ Teatro. Canillita.

Sábado 4 de febrero
+ Cumbia. Presentación de Mario Pereyra, Beto Rivas y Mariano Pereyra.

Sábado 11 de febrero
+ Folclore. Presentación de Patricia Duré, Bruno Arias, Rocío Basualdo y Sangre Nueva.

Sábado 18 de febrero
+19.30 h. Desfile de máscaras y títeres por el Parque Urquiza.
+ 21 h. Carnaval. Presentación de las murgas Los Vecinos re Contentos, La Cotolengo, Aguantando la Pelusa, Mal Ejemplo, Y Parió la Abuela, La Cotorra, Okupando Levitas, Caídos del Puente, Nacidos por Cesaria, Inundados de Arroyito y Somos lo que Somos. Además, se presenta la agrupación Cuerda de Tambores Candombe.

Domingo 19 de febrero
+ Carnaval. Presentación de Katunga y Los Extranjeros.

Sábado 25 de febrero
+19.30 h. Infantil. Presentación del conjunto Pro Música y Caracachumba.

Sábado 3 de marzo
+ Milonga en homenaje a Héctor Grimolizzi. Presentación de Inspiración Tanguera, Ariel Ardit, Joel Tortul, Ezequiel Merlo y los dúos Martín Laciar y Florencia Amigo y Laura Santiago y Alcides Cloux.

Sábado 10 de marzo
+ Homenaje a las bandas de rock rosarinas. Presentación de El Ángulo, Mortadela Rancia y Rosario Smowing.

Sábado 17 de marzo
+ Gala lírica. Presentación de la Orquesta de Cámara Municipal, el Ensamble Municipal de Vientos, el Coro Polifónico de la UNR y cantantes invitados.

+ En caso de mal tiempo, las actividades suspendidas se reprograman para el domingo siguiente, a excepción de la actividad del domingo 19 que no será reprogramada.

Mañana es mejor

2012-01-23T04:51:00.000-08:00

La verdad la verdad es que me desperté porqué sí, sin que mediaran ruidos, sobresaltos o despertador, y a las siete menos veinte de la mañana tuve que salir de la cama impulsado por no sé qué sentimiento que me llevó a querer mirar la luz del día. A no ser por uno de estos motivos uno no sabe cómo se acciona ese mecanismo por el cual volvemos a la vigilia. Bah, seguro que Freud o algún otro genio lo debe haber dicho… pero yo no lo sé. Lo que sí sé es que Henry David Thoreau dijo que “todos los sucesos memorables ocurren durante la mañana y en una atmósfera matutina”. Este verano como una de mis lecturas tengo su libro “Walden, La vida en los bosques”. El maestro lo escribió después de experimentar “la vida en la naturaleza” entre el 4 de julio de 1845 hasta el 6 de septiembre de 1847. Vivió dos años en la cabaña que él mismo construyó en un bosque cerca de Walden Pond, en Concord, volvió con su familia a la civilización y para 1854 publicó todas esas enseñanzas que le quedaron.

Bueno, yo me levanté a la “atmósfera matutina” y experimenté, sin laguna cercana, el ruido de los pajaritos, el zumbido de las abejas, y los colores cambiantes del cielo y la luz. Pero a los diez minutos volví adentro y me senté con el mate en la computadora y radio Continental de fondo. Me enteré de todo. Y no hace falta ser Calamaro pero "matutina" rima con "Famatina".

Y ahí la vecina
localidad
y el vecino por su calidad
sigue luchando para que no les contamine
y al poder el dinero y la política conmine
todo el pueblo ruidoso
que según dicen los que transan
el pueblo que gana es el pueblo jocoso.

Otra de las noticias tempraneras es que hoy es el cumpleaños del Flaco Spinetta. ¡Feliz cumpleaños Flaco! Y como sucede casi siempre en el vasto mundo de la red, terminé en sitios que a priori ni pensaba. ¿Todo pasa en la red? ¿O todo pasa?

Ya no me acuerdo cómo fue la cadena de linkeos pero en un momento me topé con Sofia Viola cantando un tema sobre la navidad. Lo raro es que justo a ella la conocí en uno de esos viajes a la naturaleza que uno hace y en donde piensa la posibilidad, como Thoreau, de abandonar todas las comodidades burguesas innecesarias. Fue a San Marcos Sierras hace como tres veranos. Sofía se me apareció casi como una página que te asalta sin que la busques porque yo había ido a la casa Ecológica algo flasheado por la casa en sí y porque ahí vivía D´amato, una especie de leyenda del ecologismo, el hippismo, y la contracultura de los 60/70, y ahí estaba ella, que es medio pariente de D´amato si mal no recuerdo.

Sí recuerdo que uno de los pensamientos prejuiciosos que tuve en ese viaje fue que en el pueblito cordobés vivían casi todos porteños que se fueron a hacer la América ecológica. La cuestión ocupó varios días en mi cabeza, inclusive después del viaje. Pero no escribí ningún libro. Una de esas noches fui a escuchar a Sofía a un barcito donde cantó muchas de sus canciones. Me gustó mucho lo que hizo. Sentí que estaba enfrente de una chica que tenía mucha personalidad y eso se imprimía en su arte, y además que tenía algo de fuerza natural, de fuerza bruta.

Ahora, tres años después, editó "Munanakunanchej en el Camino Kurmi" , un título en quechua que significa “Tenemos que querernos en el camino Arco Iris”. Justamente el ex Arco Iris Gustavo Santaolalla se acercó para aconsejarla y -según dicen- se perfila como un posible productor en el futuro. Por estos días Sofía está grabando decenas de canciones con Ezequiel Borra como productor.

El video es del programa para la web Sonido Ambiente

Imágenes Paganas II

2012-01-22T16:07:00.000-08:00

Este es el video del tema “Muñeca”, primer corte del disco "Espuma Libertad", debut de Los Heladeros del Tiempo. La banda de Frankie Langdon (ex Don Adams) comenzó en el 2008 como su proyecto solista. Con su lema como estandarte: “Sea sereno, sea feliz”, le cantan al amor, al dolor, y a una infancia feliz que los sigue de cerca.

Su primer disco “Espuma Libertad” es producido por Bambi Moreno Charpentier (de Tan Biónica) y distribuido personalmente por los integrantes en un camión de helados, hasta la puerta de la casa de los primeros en encargarlo.

Además de Frankie Langdon tocan; Juani de Abreu, Maxi Lázbal, He Man Garrido y Dante Violanti, en lo que se considera una clásica formación de rock, como dice Frankie: “Bajo y batería en la defensa, dos guitarras en el mediocampo, y un cantante en el ataque, aunque por supuesto, todos colaboran con coros”

Este es mi pueblo - Jorge Calvetti

2012-01-05T10:58:00.000-08:00

Si llegás a viajar para Jujuy, a Maimará, quizás te encuentres con el recuerdo de Jorge Calvetti (1916-2002). El poeta y periodista vivió la literatura argentina de casi todo el siglo XX. Entre sus amigos se contaron Roberto Arlt, Alfonsina Storni, Carlos Mastronardi, Jorge Luis Borges y Xul Solar. En 1955 fundó el grupo Tarja, de Jujuy, y la revista del mismo nombre cuya dirección compartió junto a Manuel Castilla, Héctor Tizón y Jaime Dávalos. Además formó parte de la Generación del 40 y perteneció a la redacción de los diarios La Prensa y La Nación.

Te dejamos algunas joyitas para atesorar en tu mochila de viajero. El pimer video es un fragmento del documental "El paisaje invisible" de Gustavo Fontán sobre la figura de poeta. Además un hermoso poema llamado Maimará (...Este es mi pueblo. Su nombre quiere decir: “Estrella que cae” (...), y un registro musical imperdible; Juan Falú y Jaime Torres amenizando, con guitarra y charango, una velada en la casa de Calvetti en 1989.

En 2011 la editorial de la Universidad Nacional de Jujuy lanzó el libro “Obra y Figura de Jorge Calvetti. Aportes Bibliográficos”, dirigido por Herminia Terrón de Bellomo. El equipo de investigación se dedicó a la tarea de “ordenar y transcribir las reseñas y otros escritos aparecidos en diarios y revistas que figuraban en archivos personales sobre la obra del autor. El resultado de ordenar estos artículos fue sorprendente, pues contaban con numerosas reseñas y entrevistas realizadas por otros escritores o periodistas especializados que testimoniaban la recepción que la obra del poeta jujeño había obtenido en el momento de su aparición”. Antes ya se habían publicado sus “Obras Completas” por la Secretaría de Cultura y Turismo de la Provincia de Jujuy.

MaimarÁ

Este es mi pueblo.
Su nombre quiere decir: “Estrella que cae”.
Hasta aquí llegan pocas noticias del mundo.
Recibo cartas de mis amigos; me dicen que todo marcha bien, que en
algunos países se vive una vida verdadera
Y que en otros, la esperanza crece.
Yo no sé nada. Me alegro por momentos
Y me encierro otra vez en mi pueblo.

Todo se habla de soledad.
El viento sacude las noches como árboles.
Los mismos pájaros despiertan las mismas mañanas.
El tiempo golpea las casas
Y las casas golpean contra el tiempo.

Aquí he vivido mi infancia.
Era feliz. Ignoraba hermosamente la vida.
La infancia...
Los recuerdos más viejos vagan por la memoria, como doña Melchora por el
pueblo.
Tiene ciento cuatro años. Habla sola, como los recuerdos.
Cuando me ve, me dice: buenas tardes maestro...
Aquí estoy,
Buscado y dejado y encontrado por el amor.
Pero no crea que puede hablar de soledad.
Todos tenemos mucho que hacer en el mundo y no hay tiempo para estar
solos.
Es que el futuro está subiendo desde el fondo de la tierra,
Lo veo crecer en mi hijo. Mira con los ojos de mi hijo.

Sí, ya lo sé. Son hermosos, los carnavales y los pájaros y la fastuosa
inocencia de los pájaros...
Pero sé también que el canto y la alegría y el coraje de muchos amigos
del pueblo están durmiendo en una botella de vino
¡y nosotros tenemos mucho que hacer!

Yo por lo menos,
Trataré de luchar con mis palabras.
Tengo que decir a mis amigos que no estamos solos y que debemos trabajar
para que el mundo sea mejor.

Este pueblo es muy chico.
Un carnavalito puede envolverlo.
El golpe de un caballo es demasiado para él.
¡Qué hermoso sería levantar su estrella y llamarnos, con verdad,
hermanos en un mundo sin justicia!

Mi pueblito es muy chico.
Así deben ser todos los pueblos chicos del mundo.
Por la calle de mi casa veo pasar la vida;
La desgracia, el amor, la humildad, los borrachos...
Pero creo que nadie piensa en nadie.
Nadie sale de sí mismo.
Todos casi todos, están ahogados en ellos mismos y es necesario cambiar.

Aquí sigue todo igual...

Si subiera a las cumbres, estoy seguro, vería pasar los años como esos
perros que acezando y husmeando el miedo pasan interminablemente
ocupados en sus sensaciones y eso no puede ser, ¡no puede ser!

Imágenes Paganas I

2012-01-03T09:23:00.001-08:00

El cantautor Marcelo Ezquiaga presenta su nuevo video clip sobre la canción (corte) “El Gaucho vive y muere en su ley” de su último disco "Hombre Golpe" (2011).

El trabajo audiovisual, dirigido por Cecilia Costilla Rizzo, cuenta con las participaciones actorales del propio Ezquiaga (el vagabundo), Pablo Malaurie (el gaucho), Fernando Samalea (el director), Liniers (el artista), Zambayonny (el asistente) y Nathalia Cabrera (la china), entre otros.

Noticias

2011-12-22T12:38:00.000-08:00

::: Declararon el viaje de Los Vandalos a Cuba de Interés Municipal y Provincial

La Municipalidad de Rosario a través de su Honorable Consejo, ha declarado de Interés Municipal el intercambio cultural que realizarán los artistas, y la Cámara de Diputados de la Provincia de Santa Fe, ha declarado de su interés, el “Ciclo de Viajes Históricos-Culturales” organizados por la Agencia Cubana de Rock del Ministerio de Cultura de Cuba

La banda formará parte de los espectáculos que se brindarán en la isla del 26 de diciembre de 2011 al 8 de enero de 2012, en Conmemoración del 53º Aniversario de la Revolución Cubana. Los Vándalos actuarán oficialmente en la ciudad de Santa Clara de Cuba, donde descansan los restos de Ernesto “Che” Guevara, representando así el Rock Argentino todo Rosarino.

Los Vandalos, una de las bandas más convocantes de la Ciudad de Rosario y alrededores realizó su primer show en vivo en el año 1990, y desde entonces se han presentado en diferentes escenarios y festivales de todo el país. Su sexto y último disco “No significa Nada” fue lanzado en 2009 de la mano de Pop art. En su vigésimo aniversario, (2010) Los Vandalos realizan una gira por España presentándose en Sala Mephisto (Barcelona), Hard Rock Café (Madrid), Sala Sidecar (Barcelona), Marearock (Torrevieja – Alicante), La traviesa (Torredembarra – Tarragona), Zeppelín (Salou), Bar de Miedo (Ibiza) y La Oveja Negra (Barcelona). El 2011 los encuentra realizando la preproducción de su próximo material discográfico a ser editado en breve.

::: Concurso: Certamen nacional de canciones inéditas de raíz folclórica

La Academia del Folclore de la Argentina convoca a autores y compositores a participar del Certamen destinado a “alentar, apoyar y promover la creación de obras que representen todas las regiones del país”. El mismo está Auspiciado por la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (Sadaic), el Festival Nacional de Folclore de Cosquín, la Asociación Argentina de Intérpretes (AADI), el Sindicato Argentino de Músicos (Sadem) y la Radio Nacional Folclórica 98.7.

Los participantes no podrán enviar más de dos obras a este concurso y la inscripción es gratuita. Los trabajos podrán entregarse personalmente en sobre cerrado o por correo certificado de 9 a 15 en la sede de Sadaic (Lavalle 1547) de capital federal. La recepción de las obras será desde el 1 de febrero de 2012 y hasta el 31 de mayo 2012, sin excepción. Las obras (música y letra) deberán presentarse escritas en castellano y pueden contener vocablos pertenecientes a las lenguas de los pueblos originarios, con su traducción al castellano al pie de la letra, en un ejemplar firmado con seudónimo en papel tamaño Carta, A4 u Oficio.

Se instituirá un primer premio (diploma y 5 mil pesos), un segundo premio (diploma y 3 mil pesos) y un tercer premio (diploma y 2 mil pesos) y se agregarán tres menciones especiales. Integran el jurado del certámen, los cantautores populares Omar Moreno Palacios, Jorge Viñas, Cuti Carabajal, Aldy Balestra y Antonio Rodríguez Villar, presidente de la Academia de Folclore. Los mencionados jurados darán a conocer su dictámen antes del 31 de julio de 2012 y la citada Academia tendrá el derecho de editar un CD con las 15 obras seleccionadas.

¿Otra vez el revoleo?

2011-12-14T13:21:00.000-08:00

Lo interesante de conseguir borrar las fronteras, o de destrozarlas mejor dicho. De hacer volar por el aire toda esa data que nos pertenece cuando nos remitimos jactanciosamente a nuestro mundo, que por más que sea inteligente, culto, refinado, VIP, o exclusivo, termina por ser pobre, achicharrado, de quedar siempre cortina. El tema es cómo lograrlo.

Hoy miércoles recibo un mail a mi casilla personal de parte de JA! Comunicación + Prensa, la agencia de comunicación y prensa que en Buenos Aires tiene Jorgela Argañaraz. “Desde1998 y hasta el día de hoy, ha trabajado con artistas y empresas de renombre como: Fito Páez, Diego Torres, Jorge Drexler, Joaquín Sabina, Charly García, Lila Downs” y muchos otros artistas y empresas del mundo musical. El mail de hoy es celebratorio se diría, y da cuenta de lo que me di cuenta el viernes pasado. Algo así como la continuación de la música por otros medios.

El fin de semana anterior como era fin de semana largo aproveché para viajar, visitar a la familia y los amigos, y también, como desde que inauguró hace un año, poner música en Kpiqua, es decir “disyokearla”. Tres amigos pusieron el bar en Vedia, al noroeste de la Pcia de Bs As, (ya volví allí en el posteo sobre Charly, ¿Habrá pegado la nostalgia?).

Kpiqua está buenísimo y superó la medía de los bares que tuvo el pueblo, al menos de la parte que me tocó vivir. En las ciudades chicas, ustedes saben, está “el bar”, “el boliche”, y cuando hay dos a la par la guerra no dura más de dos o tres rounds. Cada vez que llego, antes de re-debutar, es necesario que revise las listas de hits y charts de radio hiteras, páginas con “lo nuevo”, “lo que suena”, o los mejores compilados de cada temporada. Pero así es desde que el dj funciona como el que te va administrando el combustible para la pista de baile. Y no hay nada mejor que ir a bailar y que te rompan la cabeza, o mejor dicho el cuerpo, a la hora de danzar. ¡Bendito ritual que no cesa!

La cosa es que mientras yo volvía a meter los garfios en la computadora del bar para ver cómo andaban mis bites sonideros, La Pantera acomodaba las heladeras o algo así. Entonces le pregunté: “Che Panter, está sonando algo acá?”. El tipo hizo un alto en lo que hacía y me dijo: “Fijate, ahí hay una carpeta nueva que se llama Lucas. Hay uno en portugués que hace mover a las ponis. Y otro que también la rompe es dj Poncho”.

Sobresalto. “¿Cómo Dj Poncho…. Poncho? Pero ese nos es un dj, o sí, pero son tres…ese es un grupo queehh…”. Al toque no supe más qué decir. Creo que pensé rápido. (Leer con voz de pensamiento). Poncho es la banda de Javier Zuker, de Lopatin, eso suena en Rosario, en Bs As, y ni siquiera en todos los lugares. ¿Acá suena Poncho?, ¿En medio de la pampa gringa, en este pueblo chico donde los cuerpos se menean con Wachiturros y Danzakuduros? ¿Suena posta o alguien te coló Poncho a la fuerza”.

No dije nada, o atiné a comentar algo para salir del asombro. “Seee” - dijo la Pantera - “Desde que Darín hizo la publicidad de Fravega suena como loco”.

El mail de JA! Comunicación + Prensa

Poncho: Su canción Please Me, es considerado un HIT que trascendió las barreras del mercado electropop. "Please Me", el segundo corte del álbum Ponchototal, se ha convertido en el HIT del momento. Así, Poncho -la banda de Javier Zuker, Lea Lopatin y Fabian Picciano- es una de las más escuchadas en la radio. El tema suena épico, ochentoso y melódico contando con la colaboracion de Maxi Trusso en la voz.

Su sonido es tan emocionante y pegadizo que se ha vuelto el tema del momento, sonando en los mas diversos ambitos. La canción ha sido elegida como la banda sonora del último comercial de FRAVEGA, protagonizado por Ricardo Darin llevando el tema a un nivel máximo de exposición. "Please Me" se escucha tanto en "Showmatch" y otros programas de masiva audiencia como en todas las radios y fiestas del pais.

El video del tema ha sido producido por "La Doble A" y dirigido por Esteban Sappir (La Antena) y Juan Cordoni. Cuenta con la colaboracion de la ascendente modelo Calu Rivero (El Elegido) y Emmanuel Horvilleur. Rota en MTV, VH1 y ha sido visto mas de 600.000 veces en youtube. El album "Poncho Total", fue editado en USA por National Records. El tema D.I.S.C.O. cuenta con las colaboraciones de DIVIDIDOS y Shannon Funchess de !!! (chk, chk, chk), y en Tantra Sky, oímos la voz del legendario Luis Alberto Spinetta.

Gracias por comunicarlo!!
JA! Comunicación + Prensa
De nada! De Ushuaia a la Quiaca - Perry

"La Vidala es como el latido del corazón”

2011-12-05T11:30:00.000-08:00

Eva Sola y Nadia Szachniuk, amigas desde los 13 años que más tarde migraron desde Salta a Buenos Aires para estudiar una chelo y la otra canto, se volvieron a juntar atraídas por el canto ancestral de las coplas con caja que compartían desde mucho antes.

La concreción llegó a través del disco “Vidala”, en donde a las dos jóvenes mujeres en voz, caja y arreglos, se suman los invitados Juan Falú en guitarra y guitarrón y Facundo Guevara en percusión, para abordar “un repertorio principalmente tradicional de cantos con caja pertenecientes al acervo musical folklórico y anónimo del Noroeste Argentino. Vidalas y coplas de comparsa, cantadas a dos voces con el acompañamiento de la caja”, mas algunas zambas, chacareras y bailecitos tradicionales”.

La Vidala es “como el latido del corazón”, definen ellas a ese “entrañable canto llorado, de origen misterioso, sin duda andino, precolonial, que recuerda los “llantos” peruanos…lamentos de amor. Expresan olvidos, amores imposibles y desengaños”, como se anota en el libro de Leda Valladares; “Cantando las raíces: coplas ancestrales del noroeste argentino”, Emecé, 2000. La figura omnipresente de la precursora tucumana, también se hace presente ya que diez de las piezas fueron recopiladas y registradas en sus álbumes “Grito en el Cielo Vol I y II".

De esos discos y de "otras que aprendimos viajando, escuchando a amigos y a gente de los valles que las interpretaban”, fue que Sola y Szachniuk se valieron para dar sus versiones propias. Junto a las piezas riojanas: Nadie lo riega (Vidala - Malligasta), La gota cava la piedra (Vidala – Malligasta), Seras libre palomita (Vidala –Chilecito), están las santiagueñas: En otro poder (Vidala), Solo mi corazon sabe (Vidala - La Banda), En Atamisqui (Vidala -Ataminsqui) y Ay naranjal (Vidala de Yerba Buena – Tucuman), Banderita colorada (Tonada de La Quiaca, Jujuy) y Le traigo esta flor (Vidala – Andalgalá, Catamarca), entre otras, a las que se suman el bailecito La huarmillita, la zamba rápida La viajerita, de Atahualpa Yupanqui y La Catamarqueña, zamba recopiladade por Eduardo Falú y Manuel J. Castilla.

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El disco fue producido por un nuevo sello discográfico perteneciente a la Universidad de Congreso, una casa de estudios privada de Mendoza, a través de sus Programas de Arte y forma parte de un proyecto que tiene como objetivo sacar a la luz y difundir la música de las distintas regiones de nuestro país recabando en sus raíces más puras y originales; estos tesoros ancestrales, sin embargo, son volcados en versiones despojadas y contemporáneas por intérpretes de alta calidad. Lo ancestral y lo contemporáneo no se oponen, por el contrario, confluyen en la conformación identitaria de un pueblo.

“Las vidalas riojanas y santiagueñas son lamentos de amor, son mas lentas y melódicas, la caja es más grave y tienen un tono más melancólico. En Salta, en cambio, se identifican con la comparsa, que son responsoriales, es decir, sus intérpretes se van respondiendo”, diferenciaron las artistas.

En la plataforma Soundcloud podés escuchar algunas canciones del disco.

Blanca la luna y la chaya

2011-11-21T11:33:00.000-08:00

El último disco de La Bruja Salguero, “Caja de Luna”, es un trabajo fuertemente enraizado a su tierra natal y con múltiples conexiones a ese lugar que dejó hace unos años para vivir en Buenos Aires. Con el guitarrista Ernesto Snajer como arreglador y ladero en la producción sonora, la cantante abrevó en un repertorio de “nuevos compositores que están dando al folklore y renovándolo”, más algunas piezas clásicas.

Las canciones de Ramiro González, Naya Ledesma, Juan Arabel, Néstor Soria - Topo Encinar, y Fernando Barrientos - Raúl Orozco, se suceden con las de Raúl Carnota, Chacho Hunicken, Manuel J. Castilla - Eduardo Falú y Pancho Cabral. Acompañadas en el arte gráfico por fotografías alusivas, pintan historias que mucho tienen que ver con la La Fiesta de la Chaya, esa celebración que durante cada febrero se renueva en La Rioja. Ya En la tapa se la ve a la cantante envuelta en “una colchita que es un tejido artesanal de tejedoras de la localidad de Chamical”, mientras que su caja chayera “es de Tona Páez de Chilecito, una cantora de vidalas que crea sus propias cajas”.

“Nuestra música característica es la Vidala Chayera y tiene que ver, sin duda, con esa fiesta que se vive en el mes de febrero. Este disco tiene mucha carga de riojanidad. Yo estoy viviendo en Bs As, una ciudad muy movidita culturalmente y en todo sentido, y uno se mambea un poco… Entonces en este disco, como en Flor de Retama (anterior), sentía la necesidad de hacer un cable a tierra y de cantar, pero desde mi provincia, y dar a conocer esa cultura. Yo notaba que acá, en capital, el folklore estaba más ligado a otras zonas, y la riojana estaba un poco relegada, así que decidí “ponerme la bandera”, explicaba la Bruja telefónicamente.

Si bien la cantante cuenta que necesitó enbanderarse evocando su color natal, fue a la par de Snajer con quien buscó universalizar su mensaje. “Ya con el disco arreglado por Daniel Homer me gustó la universalidad que le dio al sonido del folklore y de mi provincia… y es como que “me he endulzao”. Además las vidalas chayeras me sonaban con mucha fuerza, mucha garra, entonces dije “qué pasa si llego al limite entre lo considerado tradicional y la proyección”. Entonces decidí buscar a Ernesto Snajer. Yo había escuchado sus trabajos, sobre todo las fusiones que hizo con Liliana Herrero y con Verónica Condomí. Y me gustó muchísimo pero me daba un poquito de miedo porque vaya a saber uno su cabeza loca para dónde iba a volar…Nos sentamos mucho tiempo, fueron como nueve meses, primero a pensar en el repertorio, hubo filtros de parte de los dos, y a la hora de empezar a indagar en los movimientos que le íbamos a dar a lo rítmico y armónico, fue muy importante que él conociera el ritmo básico de la Vidala Chayera, las estructuras que están en las zambas, en la chayas, como para que no se rompieran esos esquemas que yo (remarca la o) no permitía que se rompan.

Le cortabas los dedos antes…(risas)

Nooo, no tanto. Yo le decía ”yo soy profesora de danzas folklóricas entonces necesito que gente amiga pueda bailar una zamba”. Intentemos respetar esos compases… ahí íbamos en ese consenso. Excepto la “Zambita vieja” de Ramiro que no tiene introducción, fue un arreglo de él que me pareció fantástico. Pero no fue un tire y afloje, sino un conocernos y enriquecernos. Sin duda alguna la experiencia que tuve con él fue fantástica. Y creo que con cada persona que se acerca a uno es un enriquecimiento para toda la vida. Eso me pasó con todos los músicos que grabé.

En el caso de su sexto disco de estudio además de Snajer (Guitarras y dirección musical), participaron Liliana Herrero como invitada especial en “El otro camino” de Raúl Carnota, Guido Martínez (bajo), Mariano Cantero (percusión), Mariano Delgado (guitarra y arreglos de 2 obras), Ramón Córdoba (guitarra), Víctor Carrión (vientos), Horacio Cacoliris (percusión), Pablo Budini (guitarra) y Paulina Torres (coros), más Sebastián Perkal, a cargo de la grabación. Sobre la cantante entrerriana la Bruja dijo: “Es un referente para muchas que venimos por atrás. Y sobre todo poniéndole mucho valor a lo que es su propuesta artística que es un poco más jugada. Y hay que aceptarla porque es parte de todo. Y la cultura de folklore se tiene que ir modificado para dar satisfacciones espirituales”.

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Por la huella de Manuel J. Castilla

2011-11-14T12:29:00.000-08:00

Así se llama el libro con prólogo de Ricardo Kaliman y doce trabajos de investigación académica coordinado por las profesoras Amelia Royo y Olga Armata, de la Universidad Nacional de Salta. La publicación dedicada al poeta, periodista, titiritero y autor de piezas clásicas de la proyección folklórica, reúne los estudios expuestos en el seminario que organizaran el Instituto de Investigación en Literatura Argentina e Hispanoamericana "Luis Emilio Soto" y el "Instituto de Folklore y Literatura Regional "Dr. Augusto Raúl Cortazar", con motivo del 25º aniversario de su fallecimiento en 2005.

En comunicación con nuestro programa, Arroyo narró aspectos de la vida de Castilla, lo situó en su contexto de creación poética y lo describió generoso con sus colegas: “Era un hombre muy disciplinado por eso escribió tanto, pero era un noctámbulo, era muy amiguero, muy de la bohemia y era un referente para los jóvenes. Muchos poetas que escriben simultáneamente, pero que son de menor edad, reconocen la generosidad de Castilla en leerles, corregirles, opinar y sugerir”.

“Lo que él hace es encontrar puentes de contacto entre nuestra arqueología o nuestra cultura con tanto sustrato aborigen y el resto de América. Los temas que trata son los trabajadores, mucho la infancia, las culturas aborígenes, él hace pinturas de arquetipos humanos de los trabajadores rurales, de los quebrachales. Siempre su poesía se alimenta del ámbito rural, de la naturaleza, de las culturas de pueblo. Pocas veces Castilla se mete con las culturas urbanas pero su estética viene de la ciudad”.

Si bien “El Barba” se hizo reconocido por sus temas folklóricos en dupla con Cuchi Leguizamón (“Zamba del pañuelo”, “Maturana”, “La pomeña”, “Zamba de Lozano”, “Zamba de Juan Panadero”, “Carnavalito del duende”, “Juan del Monte), Eduardo Falú (“La volvedora” y “No te puedo olvidar”), o Rolando “Chivo” Valladares (“Canción de las cantinas”, “Bajo el sauce solo” y “Zamba del romero”), para la docente “sus letras son una maravilla pero nada que ver con la densidad y la profundidad de la lírica. Los libros profundos de Castilla, como pueden ser Cantos del gozante (1972), son de una densidad lírica que a nosotros nos rompe la cabeza al poder decodificarlos para transmitirlos a los estudiantes”.

“El prólogo del libro (Por la Huella…) es lo suficientemente rico como para desperdiciar lo que propone Ricardo Kaliman. Es una mirada Americana de Castilla, cosa que es perfectamente posible de comprobar porque era titiritero, y junto con un artista plástico de mucho renombre entre nosotros que se llamó Carlos García Bes, y con ese señor ellos recorrieron no solamente el interior de nuestra provincia (Salta), sino que pasaron la frontera y recorrieron Bolivia. De ese viaje existe “Copajira” (1949), un libro fundamental, americanista, indigenista, con mucho contenido social porque refiera a la vida en las minas de Potosí”.

Revista La Carpa

Fue en esa misma década del cuarenta, pero unos años antes, a partir de 1943, cuando la revista La Carpa (editada en San Miguel de Tucumán entre 1943 y 1948), núcleo los intereses de una serie de poetas, pintores e intelectuales que desde el Noroeste del país refundaron una manera de interpretar el arte y la poesía. “El adalid era el jujeño Raúl Galán pero intervienen Salteños, Jujeños, algunos que estudiaban en Tucumán…ellos se hacían presentes a través de la revista y de muchos actividades culturales; de peñas, cafés. Y como dato anecdótico; es Tomás Eloy Martínez quien lanza una critica aguda contra La Carpa y empieza a darle notoriedad ya que su notoriedad (la de Martinez) iba creciendo”, cuenta Arroyo

Según cita Santiago Giordano a Santiago Sylvester en Página /12 - ensayo que introduce El gozante, una antología de Castilla publicada por Colihue- “así como Dávalos cultivó el Siglo de Oro español y literariamente no avanzó un paso más aquí del siglo XIX, la generación de La carpa estuvo atenta a su época y tuvo la tarea de absorber y utilizar sus aportes, especialmente a Neruda y Vallejo, la generación española del ’27 y, un poco más allá, aunque sin exagerar, el impulso descolocador del surrealismo”. La revista Angulo, en Salta, y más tarde Tarja, en Jujuy, prolongaron la línea de La carpa, con Jorge Calvetti, Mario Busignani, Héctor Tizón y artistas plásticos como Medardo Pantoja y, en los años en los que vivió en Salta, Héctor Bernabó, el pintor, dibujante y muralista que sería emblema de la pintura del nordeste brasileño con el nombre de Carybé. A esa expansión cultural se sumaron también los músicos Gustavo “Cuchi” Leguizamón y Juan José Botelli”.

Poetas del país - José Villa

2011-11-10T12:21:00.000-08:00

Nacido en Martín Coronado (Prov de Bs As 1966), lugar a donde vive, José Villa dice que su actividad se puede resumir en algunos libros publicados, más bien breves, que están todos incluidos en una especie de obra reunida”.

Ese libro llamado Camino de Vacas (Gog y Magog, Buenos Aires, 2007) incluye Wu (Casa de la Poesía, Biblioteca Evaristo Carriego, Buenos Aires, 2000), Cornucopia (Trompa de Falopo, Buenos Aires, 1996, reeditado por Ediciones del Diego, Buenos Aires, 2002), 8 poemas (Ediciones del Diego, Buenos Aires, 1998) y Es un campo, “más una buena cantidad de textos que no habían sido publicados en libro”.

Invitado al reciente XIX Festival Internacional de Poesía de Rosario, el poeta también fue integrante de la mítica revista de poesía 18 Whiskys, de la editorial Ediciones del Diego, y actualmente dirige el proyecto de revista digital Atmósfera. En su lectura José nos adelanta poemas del libro que tiene pensado publicar en 2012. “Lo que voy a leer son unos textos inéditos, son unos pocos textos breves que de alguna manera continúan, si bien con algunas disrupciones, lo que ya venía trabajando y publicado en 2007”.

+ La foto del posteo fue extraída de Mario Varela Fotos

Entrevista a Gustavo Cordera

2011-11-04T12:10:00.000-07:00

Gustavo Cordera con su Caravana Magica se sube esta noche al escenario del Dixon a las 23 hs para presentar el combo denominado como "música RioPlatinoAmericana". Su segundo álbum solista, que ya es Disco de Oro, fue co-producido por junto a Chávez y Juanito (el cantor), y cuenta con un plantel de musicos veinteañeros que, según el ex Bersuit, "tienen un talento artitistico de mucha sensibilidad, de mucha profundidad, de ganas de experimentar".

Hace unas semanas, mientras estaba en la ciudad en ronda de prensa, "El Pelado" visitó nuestro pograma y en una distendida charla habló de todo. Sus laderos musicales, la cooperativa como nuevo modo de trabajo, volver a las fuentes y beber de las ganas, el rock y sus miedos, y claro; sus ex compañeros de Bersuit. Aquí un repaso de varios temas bajo la mirada del hombre que trabaja el desapego como forma de liberación.

La Banda

"Muchos de los chicos no son conocidos porque son de La Paloma (Uruguay), y no tienen el reconociemnto under como pudden tener Juanito el cantor o Soemma Montenegro, pero tienen un talento artístico de mucha sensibilidad, de mucha profundidad, de ganas de experimentar. Al proyecto no se le está pidiendo nada. A otros proyectos vos le pedís que venga gente para que puedas comer, o para sotener a tu familia. Cuando a un proyecto le ponés esa presión se escucha en el arte que hacés. Esto tiene mucho de experimentación debido a que la gente que toca hace música por placer y por ganas".

Los jóvenes maestros

"Deje el espacio para que eso suceda. Y de la única manera que eso ocurra es desapegandote de tu propio pasado y de tu propia formación. Si yo pongo mis pergaminos a un pibito de 22 años como es Lele (guitarrista) o Daniela que tiene 22, es como una parálisis...no das posibilidad que ellos sean. Y lo cierto es que yo estoy aprendiendo mucho de ellos. Estoy entrando en lo que yo considero una nueva era".

La cooperativa

“Estamos empezando (con la banda) a desplegar las bases de una cooperativa. Es interesente porque creo que es una nueva forma de encarar el mundo que viene. El rock y la música están dando espacio a formaciones con estas características. El establishment, las grandes compañías, las ventas de discos abultadas están quedando a un lado”.

Bersuit Vergarabat

"Todos los grupos de laburo y todos los ciclos tienen un momento en el que se entra en crisis y ya no hay espacio para la creatividad porque estás como cejado por el éxito, y por el miedo. Yo tengo un amigo que dice “el peor enemigo de los seres humanos son los aciertos y no los errores”, porque volvés siempre a eso ya que funciona. El pasado tiene mucha convocatoria. Lo vemos. Water hace nueve River y hace treinta años que no hace una canción. El pasado está bien para la gente pero para el artista es un sepulcro, es una forma de enterrarse y perder su energía vital. Yo no quiero hacer nada por la gente, quiero hacerlo por la música y el arte, y si yo puedo compartirlo con la gente, ese el acto de generosidad más lindo que yo puedo dar".

"Lo que descubrí en este tiempo es que está bueno comprender que cuando vas a tu propia fuente y no tenés ganas de hacer algo, está buenisimo que no lo hagas. Y es mas, si vas a tu propia fuente y encontrás ganas de hacer otra cosa es bueno que lo hagas. Eso va para las parejas, para un pibe que está estudiando. El único reaseguro que tenemos para desarrollarnos como seres humanos son las ganas. No hay otra casa. Y (con Bersuit) no había más ganas. No fue una decisión personal. Mucha gente piensa que yo dejé la Bersuit, las cosas se desintegraron porque no teníamos nada para dar. Sí el pasado, si vas a la obra de Bersuit el pasado es glorioso".

Framento de una nueva canción que Cordera nos resitó
“soy lo que siento, lo que me pasa, ese es mi templo, esa es mi casa. Soy bien distinto, soy diferente, soy mi maestro, mi referente”

"Con Bersuit la década que mejor leímos fue la del noventa y se cristalizo después. Vimos antes las cosas, los artistas tenemos esa posibilidad. Pero en el momento que vos las ves y las compartís, la gente no está afín con que vos les digas cosas que todavía no vio, pero una vez que las ve se alinea con tu proyecto… a mi parece que en este momento estoy conectando con ciertas energías de transformación importantes a nivel humano. Siento eso, siento que se viene una música, una fragancia, una sensibilidad, una nueva forma de festejo. Ya no tanto pogo…sino más danza, más tribu, reconocernos como distintos y como iguales. Me parece que la música trae un poder de sanación enorme que antes no lo veíamos. Y mucha gente lo está experimentando cuando se emociona, cuando baila, cuanto canta".

Rock y otra durezas

"El rock le teme a la sensibilidad, el rock le teme al abrazo. El rock te da una piña. Está esa rebeldía y está esa agresión y virilidad, pero vos abrazas a un rockero y piensa que sos un puto".

- Pero el primer rock, si se piensa en Spinetta, Miguel Abuelo... era super sensible y de rescatar la faceta femenina del hombre…

Sí, pero después se endureció todo. La cocaína tuvo mucho que ver. Nosotros estábamos re-duro. Y entonces ahora creo que es un momento en donde a lo que mas le tememos…a lo que más le teme el ser humano es a la sensibilidad, más que a la inseguridad. Al silencio, al no saber qué hacer, al abrazo, a que alguien te mire a los ojos y te pregunte cómo estás. Todo eso tiene que ver con el mundo de lo sensible y de lo sutil… eso tiene que ver con el mundo del arte, con el mundo de la música. Es ahí donde quiero encontrar mi fuerza y mi poder, y es ahí donde yo quiero expresarme. Y de alguna manera pareciera que es irreconciliable con aquel personaje que se paraba a cantar frente ante setenta mil personas, a desnudarse, a bajarse los pantalones y a chuparle las tetas a las pendejas en Bersuit Vergarabat.

¿Y en ese momento no sentías el ruido?

No, porque para mi forman parte de la misma unidad. Como el demonio y dios, la oscuridad y la luz. Son contrastes que son necesarios, una cosa te lleva a la otra y yo quiero ser consecuente con eso y no quedarme con ese lugar, porque ese ya no es mi lugar.

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“Yo estuve setenta años callado”

2011-10-31T12:50:00.000-07:00

La frase, lejos del tono resentido, la dice Blas Wilfredo Omar Jaime, un jubilado de vialidad provincial de Paraná (Entre Ríos), que desde hace unos años, cuando rompió su silencio “pesado como una mochila con piedras”, se ha convertido en el reservorio vivo de la lengua Chaná, un tesoro lingüístico que se suponía desaparecido hace doscientos años.

Esta tribu indígena de la que es descendiente, integraba el Grupo del Litoral cuyo hábitat se ubicaba en las zonas costeras del río Paraná en territorios de Buenos Aires, Santa Fe, Entre Ríos y la República Oriental del Uruguay en tiempos de la conquista europea.

Los pasados 8 y 9 de octubre, Blas fue parte de la décima edición del Contrafestejo al 12 de octubre realizado en Paraná. La celebración, destinada a “promover un espacio de reflexión colectiva desde una profunda vocación por recuperar nuestra identidad, y fomentar el respeto por la diversidad étnica y cultural”, contó con música en vivo y charlas para promover la reflexión y “denunciar la invisibilización de culturas diversas principalmente nativas americanas y africanas, sacarlas a la calle y festejarlas, revalorizando su presencia en nuestra identidad cultural”.

Aunque el “Día de la Raza” fue reempleado por el de "Día del Respeto a la Diversidad Cultural" según una iniciativa del Poder Ejecutivo Nacional y el Instituto Nacional contra la Discriminación ,la Xenofobia y el Racismo (INADI), para Blas el contrafestejo sirve para hablar del tiempo pasado y oculto. De lo que no se habla, mejor dicho”.

- Según leí usted empezó a hablar de su procedencia y origen Chaná no hace mucho tiempo…

Sí, yo estuve setenta años callado y ahora empecé a hablar y no me dejar parar aunque quiera parar. Yo quiero retirarme y por eso estoy preparando a mi hija para que ella sea la representante del pueblo Chaná y sea la que hable. Porque según la cultura ancestral del pueblo Chaná era siempre una mujer la que llevaba la voz, en el sentido de guardar el idioma, la memoria, la historia, las reglas de convivencia.

- Usted dice que guardó el secreto setenta años. ¿En que sentido? ¿No hablaba la lengua con nadie? ¿Se suponía que no había descendientes Chaná en Paraná?

Sí, se suponía. Al menos el idioma se daba por desaparecido desde 1815 en que el padre Larrañaga había hablado con unos viejos como yo; Chaná, que le dijeron unas palabras pero en mi familia se conservó el idioma en las mujeres a través de varios siglos, dedicándose una de ellas como (pronuncia la palabra en Chaná) mujer guarda memoria, y se iba guardando pero en secreto. Cuando llegó el tiempo en que mi madre ya no podía procrear más hijas y mi padre había muerto por un accidente, no tuvo más remedio que pedirme permiso para enseñármelo. Yo tenía 12 años y acepté y me transmitió la cultura.

Me llama la atención que nos cuente que le pidieron permiso…

Yo nací para ser un curandero y mi familia me debía respetar. Si yo tomaba una decisión no podía ser discutida aunque yo tuviera 6 o 7 años, como cuando no quise ir a la escuela de niño y le dije a mi madre. Ella con una inclinación de cabeza aceptó lo que yo decía.

¿Y usted a los doce años aceptó que su madre le enseñe la lengua Chaná y empezó a hablar de los aspectos culturales de su descendencia?

Sí, yo conocía parte de la lengua porque en mi casa en secreto se hablaba la lengua. Pero ella tenía en su cabeza un reservorio de siglos que me traspasó a mí durante doce años para que yo hiciera el trabajo de guarda memoria.

¿Y que recuerda usted? ¿Ella hablaba con otros familiares en secreto?

Con mis dos abuelas, con mi padre cuando vivía, con mis tíos. Pero era algo que se tenía mantenía en secreto, por su tradición no se debía divulgar porque antes era para ser discriminado.

Lo sentían así…

Claro, a nosotros se nos enseñaba a los niños que no habláramos con nadie, ni con el mejor amigo de que éramos descendientes de pueblos originarios.

¿Y en sociedad decían ser descendientes de españoles o criollos?

Simplemente no se decía nada. Tratando de no mentir.

Algunas notas que leí dicen que los últimos censos nacionales demostraron que en Entre Ríos existen más descendientes de Charruas y Chanás de lo que se suponía, ¿Usted ha encontrado a otros descendientes? ¿Tiene contacto? ¿O se lo considera como uno de los últimos?

A mí me reconoce la UNESCO como último hablante. Ahora el profesor Barros (J. Pedro Viegas Barros, CONICET-Inst. de Lingüística, UBA) ya habla bastante el idioma, él está haciendo la gramática del Chaná hace varios años, y los alumnos que yo tengo también están compartiendo la cultura, el idioma y la historia del pueblo Chaná, así que estoy un poco más aliviado porque no me considero el solo portador de esa cultura ni de ese idioma.

Imagino que debe tener cierto grado de felicidad, se debe sentir más acompañado si tuvo que resguardar su identidad tanto tiempo, ahora se le dejó de dar la espalda… ¿Cómo lo considera?

Es como que siento un alivio. Yo antes decía que tenía una mochila cargada con piedras cuando supe que era el único. Porque con la gente del CONICET y con otros periodista amigo de acá hemos buscado en todo Entre Ríos. Yo le diría que hay miles de descendientes de Chaná, pero ninguno que tenga la cultura, el idioma y la historia encima. En nuestra familia se pudo hacer porque fueron preservados por ser los caciques y curanderos mis antepasados. Cuando los españoles se dieron cuenta que no podían dejar de depender de los curanderos y las parteras, entonces fue preservada mi familia y se conservó en secreto. Porque “los españoles eran tan cariñosos que a los niños que hablaban el idioma de los pueblos originarios le cortaban la punta de la lengua y a las niñas les pinchaban un ojo”.

¿Blas, y esa información la recibió de los relatos orales, la leyó en libros? ¿De qué modo se enteró de todo esto?

No, eso no está en ningún libro que yo sepa. Yo no he leído mucho porque como no hice la primaria no me ocupé mucho de leer. Trabaje sesenta años cumpliendo horarios no tuve mucho tiempo de leer. Pero me fue transmitido oralmente por mi madre, mis abuelos, mis abuelas.

En Internet hay relatos suyos… ¿Los escribió usted o se las hizo escribir a alguien?

Todo lo que está lo escribo yo solamente. Que nadie me corrija, ni me saque de lo que yo escribo.

¿Y esos textos están publicados en algún libro o son cosas sueltas?

No, son cositas sueltas que por ahí escribo. Las leyendas que nos contaban cuando niños, las canciones de cuna que nos cantaban, y relatos de los ancianos con un fin educativo. Ahora sí estamos trabajando con mi hija en un modesto diccionario enciclopédico. Estamos trabajando para que eso no se pierda. De cada palabra sus connotaciones culturales, para que quede escrito.

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Cuando comenzamos a nacer o el talco llegado de Rosario

2011-10-23T15:46:00.000-07:00

Charly García cumple hoy 60 años. Siempre me dio alegría sentir que él festejaba un día antes, ya que a mí mañana me llegan los 30. Lo que también me mantiene conectado a una alegría muy sincera y primal es esto que voy a contarles. Tiene que ver con mi pueblo, el pueblo a donde crecí hasta los 18 años y al que a menudo vuelvo por diferentes motivos. El de esta vez son las elecciones. Según me explico, “por colgado”, todavía no cambié el domicilio a Rosario, donde vivo hace ya bastante tiempo. Aunque perciba en algún plano que cierta naturalidad me hace caminar distinto por estas calles, y allá, a orillas del río ancho, el músculo tenso no descansa del todo. Pero vayamos a la música.

El semanario local “La Nueva voz”, publicó el miércoles 27 de octubre de 2010: “Por culpa de los jóvenes de Vedia, Sui Generis fue lo que fue”. Dicen que los mitos nos ayudan a nacer y creer en algo ¿no? Transcribo la nota.

“En el año 1969, unos jovencitos que integraban un desconocido conjunto denominado Sui Generis, fue contratado para actuar, como soporte, en un baile de Vedia. Aquel grupo estaba integrado, entre otros, nada menos que por Charly García y Nito Mestre. Lo hacía también Carlos Piégari a quién –y de acuerdo al periodista Carlos Polimeni- los jóvenes de Vedia lo abuchearon, marcando su deserción del grupo. Es así como, a partir la presentación en Vedia, Sui Generis fue Sui Generis con el histórico dúo de Mestre y García. A pesar de las consultas que realizó La nueva Voz, es poco y nada lo que se ha podido avanzar para recordar aquella presentación. Sólo hemos conseguido, hasta el presente, vagos recuerdos”. Aclaro yo. Esos recuerdos son de todas personas que deben rondar los años de Charly. Volvamos a la nota y su coro de voces hundiéndose en el pasado.

Eduardo “Lalo” Elguea

“Uno de los primeros en consultar (el semanario) fue a Eduardo “Lalo” Elguea quien, junto a otros adolescentes, integraba el conjunto The Dangerous. La lógico era que, si andaba en la música, bien podría haber reparado en aquel “desconocido” conjunto que vino de Buenos Aires. “Lalo” tiene una vaga idea, un lejano recuerdo el que, justamente por muy lejano, no puede asegurar que sea la que realmente aconteció. En el recuerdo de Elguea se encuentra una comisión de jóvenes muy activos que se desenvolvían en el club Sarmiento. Las nuevas ideas de aquellos jóvenes los llevó a hacer algunos bailes en la pista (sector ubicado entre la cancha de paleta, pileta de natación y el actual gimnasio). Como gran novedad, instalaron en el medio una pista de baile cubierta totalmente de talco.

“Lalo”, que estaba haciendo cuarto año del secundario y tenía callos en los dedos de tocar el bajo, concurrió a algunos de aquellos bailes. En uno en particular, cree recordar a unos jóvenes que vinieron de Buenos Aires –quizás haya sido Sui Generis- que hacían un rock muy particular y no la denominada por aquellos años como “música comercial” (bailable y pegadiza). No recuerda qué sensación le produjeron. En cambio sí tiene presente al conjunto estrella que se llamaba The Lyon y que, cree, eran oriundos de Chivilcoy o un pueblo cercano.

También cree recordar que aquel conjunto desconocido –que bien pudo haber sido Sui Generis- pernoctó en el hospedaje de la familia Hernández ubicado frente a la estación de trenes. Sobre la calle –de tierra, por supuesto- estaba estacionado un Citroen ¿Sería de Sui Generis o, acaso, el de Piringo Quinteros?

Arnoldo Verdún

“Arnoldo “Negro” Verdún fue uno de los integrantes de aquel grupo de jóvenes sarmientistas que, entre otras cosas, organizó aquellos bailes con pista de talco: “Una de las complicaciones que se nos presentó –comentó Verdún- fue donde comprar tanta cantidad de talco y a un precio razonable. La farmacia Villegas nos lo dejaba a precio de costo, pero hacía falta tanta cantidad de bolsitas que igual se hacía imposible su compra por más baratas que estuvieran. No recuerdo cómo, me contacté con una empresa de Rosario que fabricaba talco. No era el perfumado, sino uno similar al que usaban los gomeros para ponerle a las cámaras cuando se armaban las ruedas. Ese talco industrial sí era razonablemente económico”. Esos bailes, siguió relatando Verdún, tuvieron mucho éxito. “La gente (los jóvenes) nos divertíamos mucho”. Los bailes con pista de talco también lo organizó gente de Alem y de Alberdi en sus pueblos.

“En una oportunidad –refiere Arnoldo- teníamos que elegir la reina del club. Había varias postulantes, todas hermosas. Quisimos inventar algo distinto y no se a quién se le ocurrió la idea que la elegida saliera de los vestuarios de la pileta y se trasladara en bote por la piscina hasta la cabecera, es decir la parte más honda. La pileta estaba muy bien decorada, había globos por todos lados, ramas y plantas a los costados”. De Sui Generis, el Negro, no tiene ni idea. “No era yo el encargado de la contratación de los orquestas ¿quién era….? quién era…? Lamentablemente no me acuerdo”.

Josengo Loeda

“Un grupo de jóvenes sarmientistas decidimos por aquellos años ’60 constituirnos en una comisión más o menos formal. En realidad siempre habíamos trabajado pero en forma individual y esporádicamente. Había mucho para hacer y colaborar con el club así que integramos una subcomisión de fiestas. Hacíamos matinée y otras actividades. Los primeros y durante el invierno fueron el salón de actos pero para el verano comenzamos a usar la pista ubicada entre la cancha de paleta, la cancha de tenis y solar donde hoy está el gimnasio. Con el dinero reunido, acomodamos el salón y también hicimos el escenario en la pista.

Aquellos bailes de la pista –antes ya se habían hecho otros, por supuesto- tuvieron mucha concurrencia. En una oportunidad, a alguno de nosotros, se le ocurrió la idea de hacer una pista de baile, un rectángulo, llena de talco. Fue un éxito bárbaro. En cuanto a la contratación de los conjuntos musicales, no era mi área. Es probable que el que haya andado en eso fuera Alberto Giorgi quien trabajaba en la Semillero Gómez. Por aquellos años de fines de los ’60 el presidente era don Raúl Lavari”.

Norma Verdún

“Norma Verdún también integró aquella comisión. Recuerda aquel tiempo con mucha alegría, por la camaradería existente entre los jóvenes sarmientistas, pero también por “¡cómo nos divertíamos!”. “Pasó tanto tiempo que ya no me acuerdo los conjuntos musicales que vinieron” haciendo referencia a Sui Generis. En cuanto a los integrantes de aquel grupo juvenil, dice Norma Verdún que “habría que hacer memoria y husmear en los libros de actas. Éramos muchos. Algunos estábamos siempre, otros venían y colaboraban. En estos momentos, así de apuro, recuerdo a Dolly Debonis, las chicas Mauriño (Mirta y las primas Yurescia), los Cafa, los Loeda (Josengo y Negrucho) y tantos más. Creo que también estaba Tito Varvasini, uno de los Badalá.... El presidente del club era Raúl Lavari”.

Volviendo sobre el tema de Sui Generis, Norma Verdún dice no recordarlos pero en cambio sí, tiene alguna referencia en su mente sobre el conjunto principal de aquel baile. Ella cree que no era “The Lyon” sino The Lion ya que uno o dos de sus integrantes tenían ese apellido”.También le parece recordar que aquel conjunto era de Chivilcoy”. Lo cierto es que después de apelar a estos testimonios para reconstruir la presencia o no de Sui Generis en Vedia el diario terminó por pedir ayuda: “Nota de la Redacción: Quizás algún lector haya sido partícipe de esa comisión o haya estado en aquel baile memorable donde actuó el mítico Sui Generis. Si es así, le solicitamos que se comunique con La nueva Voz”.

Cambiarse de ropa

Esta nota que ahora comparto la leí en la casa de mi viejo en alguna de las visitas que le hice hace poco. Después de comer el asado, en un momento de la sobremesa, no había mucho punto de dialogo fluyendo así que me senté a leer diarios y revistas viejas que se apilaban por ahí. Tras algunas páginas de uno de los diarios me detuve con mucho interés en la nota sobre Sui Generis y enseguida lo hice participe. El tipo se refirió de nuevo a lo que ya me había narrado innumerables veces y, a decir verdad, siempre me llenó de orgullo. “Nahh, eso está equivocado –arrancó-, ahí dicen que pararon en lo de Hernandez (“pernoctó en el hospedaje de la familia Hernández”) y pararon en lo de Álvarez”.

Los Álvarez son una familia de “muy amigos” de mi viejo. Él define de ese modo a casi todo el mundo, aunque en este caso creo que es así. De los hermanos Álvarez siempre resonaron más en mi casa los nombres de Carlitos, Rodolfo y Teresa. Carlitos, que murió hace un par de años, era (¿o es?) el padre de una amiga de mi hermana y conserje del club Atlanta durante mucho tiempo. Ahí pasamos con mis amigos largas noches jugando campeonatos de pool o tomando algo antes de ir a bailar a “El Reino”. Rodolfo era un tipo que como tantos participó activamente en la militancia política de los setenta y es una de las víctimas de la última dictadura militar. Mi viejo siempre contó que él se salvó de pedo porque se volvió para el pueblo un día antes que les reventaran la casa de La Plata a los chicos, y que inclusive se trajo un bolso con ropa sucia de Rodolfo para que le laven en su casa. Al otro día de llegar a Vedia fue a llevarlo y se empezó a enterar de la noticia. La otra hermana es Teresa, que también murió hace poco, y era cosmetóloga y además la pareja de baile de mi viejo. Se anotaban en todos los concursos y a veces ganaban.

La cosa es que Joaquín Álvarez, el padre, tenía el Diario Alberdi y la imprenta en una esquina tradicional del pueblo que aun pertenece a la familia. El hombre, que había heredado el diario en los 30’ en Alberdi; un pueblo a 30 km de Vedia, se podría decir que era peronista de izquierda y debido a eso se lo cerraron varias veces. Durante el peronismo de Perón, después del golpe del 55, y la última vez; dos semanas después del golpe del 76. Él estuvo preso como un año también en esa época. Por formar parte o estar en política y ligado a la cultura, por su casa orbitaban algunas personas de la ciudad ligadas a ese mundo y también las visitas. Es así como mi viejo me ha dicho alguna vez que le hizo un asado a Horacio Guarany. Pero ese es otro cuento.

Con respecto a Charly mi viejo siempre contó que ese día en que actuaban en el club Sarmiento la casa de Alvarez estaba llena de gente, entonces se dividieron y algunos músicos se fueron a su casa a cambiar para el show. Él vivía enfrente, en diagonal, donde su padre tenía la casa de repuestos “Casa Maison”, sobre la Av 25 de Mayo. Vaya a saber uno por qué decisión del destino fue Charly el que terminó en su habitación poniéndose “unos jeans medio rotos, una musculosa blanca y un saco con lentejuelas”, como siempre lo describió mi viejo. Después el concierto y lo que narra la nota de La Nueva Voz que leí ese mediodía.

Hoy, para escribir lo que escribo, busqué en el blog del semanario la nota antes citada y me encontré con una más que es increíble. Publicada un par de semanas después, el miércoles 10 de noviembre de 2010, la nueva alusión a la presencia de Charly y Nito en Vedia parece que no se trataba de un simple mito sino de un hecho real corroborado por el propio García en las páginas de la literatura sobre el Rock. El semanario de Guillermo dice: “Confirmado: Sui Generis actúo en Vedia”. Hace unas semanas La nueva Voz publicó una nota donde se hacía mención que Sui Generis, en sus comienzos, hizo una presentación en la ciudad de Vedia según lo publicado por el periodista Carlos Polimeni en el diario Clarín, nota que reproducimos. De cualquier manera pese a distintas averiguaciones no pudimos dar con alguien que pudiera certificar la versión, por lo que hicimos un llamado abierto a quien pudiera sumar algún dato concreto.

Ahora uno de nuestros lectores, Bethman Capalbo, nos remitió por correo electrónico un párrafo del libro “No digas nada (una vida de Charly García)”, escrito por el periodista Sergio Marchi, en editorial Sudamericana, donde confirma que Sui Generis pasó por Vedia”. El párrafo en cuestión me había sido revelado por mi amigo Mauro hace algunos años atrás mientras estudiábamos alguna materia para Comunicación Social y él andaba con ese libro en la mochila. “Durante esa etapa, Sui Generis tocó en colegios y en algunas ciudades chicas de la provincia de Buenos Aires. Algunos recuerdan con cariño el show en Vedia, provincia de Buenos Aires, como Charly. “Era la época en que nos íbamos a los pueblos del interior en tren con los equipos y la batería. Entonces llegábamos y el dueño del lugar nos pedía que nos cambiáramos la ropa. Como no teníamos otras pilchas, lo que hacíamos era cambiar la ropa entre nosotros. En esa época, nos tiraban de todo”.

La Nueva voz, por si quedan dudas ratifica: “De esta manera queda confirmado, a la luz de los testimonios periodísticos, que Sui Generis tocó en Vedia en sus comienzos. Igual la convocatoria a los lectores queda abierta, no perdemos las esperanzas de poder encontrar a alguna persona que aporte más datos”. Creo que Charly a los 60 tampoco perdió las esperanzas y que también sigue buscando. ¡Gracias por la música. Feliz cumpleaños!

Todos estos años de música - La Señalada

2011-09-27T14:11:00.000-07:00

En conjunto, y sumando una voz a la otra, así como cantan y tocan, tejiendo con sus palabras un entramado de conceptos, ideas y reflexiones, tres de la integrantes de La Señalada, se refirieron durante una de sus visitas a nuestro programa, a su disco debut homónimo que el próximo viernes a las 21:30 tocarán en Sala Lavardén. El álbum se editó luego de que, en abril del 2010, resultaran ganadoras del concurso de las “Ediciones Musicales Rosarinas”, sello discográfico de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario.

“El Cosechero” de Ramón Ayala, "Campo afuera" de Carlos Di Fulvio, "María Landó" de César Calvo y Chabuca Granda, "Mamá Africa" de Chico César, o "La chicharra" de Marta Gómez conforman el repertorio que propone un viaje a la raíz negra de la música latinoamericana y a algunas clásica piezas del folklore argentino con calidez, fuerza y la coloratura propia que le imprimieron las cuatro integrantes. Pero el comienzo de todo fue con “La Embarazada del Viento” de Constantino Ramones que ellas escucharon en la versión de Cecilia Todd.

“Es la primera canción sobre la que trabajamos. Nosotras nos conocimos en la Escuela Municipal de Música (“Juan Bautista Massa”) y la consigna en el segundo años fue armar algo en grupo, entonces agarramos esa canción y María Landó (Chabuca Granda)”, decían refiriéndose a esos días de fines de 2005 en el Taller de Interpretación de la Canción Popular a cargo de Jorge Fandermole, Ethel Kofman y Nadir Dos Santos.

Luego de aquel trabajo, y reconociendo que la mirada externa de sus pares influyó para que la cosa siga adelante, el cuarteto integrado por Marisa Solavagione (voz y percusión), Andrea Fernández (voz y guitarra), Leticia Kettle (voz y accesorios) y Mariela Morandi (voz y guitarra) empezó a bucear en un repertorio que “escuchaban mucho”, en canciones de Venezuela, Perú, Colombia, Brasil y claro, el folklore argentino más cercano. “El disco tiene que ver con una búsqueda de temas latinoamericanos”, anunciaba uno de ellas y la otra aportaba: “Nos gusta y escuchamos mucha música de Venezuela y Perú, y la idea es hacer un reinterpretación, un recorrido amplio y lo más respetuoso posible”

Todos estos años de música - La Señalada

Poetas del país - Beatriz Actis

2011-09-13T14:41:00.000-07:00

Beatriz Actis nació en Sunchales (Sta Fe 1961) y vive en Rosario. Es profesora en Letras (UNL), ha integrado el Comité Académico de la Maestría en Literatura para Niños (UNR) y diversos postítulos, entre ellos los organizados a nivel nacional por CTERA.

Entre sus muchos libros publicados para niños y adultos se encuentran: “Literatura y escuela”, “Qué, cómo y para qué leer” y “Cómo elaborar Proyectos Institucionales de Lectura”; en el campo de la didáctica, de las novelas “Cruces cierran los campos” y “Alrededor de las fogatas” (Premio La Movida – Colihue), y de los libros de cuentos “Para alegrar al cartero”, “Historias de fantasmas, bichos y aventureros” (Destacado de ALIJA 2004), “Lisboa” (cuentos, Premio Municipal de Rosario), y “Viajeros extraviados” (cuentos, Premio Fondo Nacional de las Artes). Ha brindado talleres literaios y administra su blog Viajeros extraviados

De ese cruce entre géneros Actis nos dice: “Escribo distinto géneros y me interesa explorar sobre todo esa cuestión de los bordes de los géneros fronterizos, la narrativa, la poesía, pero me parece que hay una zona intermedia más híbrida que es interesante de explorar”. De su libro de poesía "Sin cuerpo no habrá crimen" que consta de cuatro partes; Cuerpo, Crimen, Cárcel y Coartada, nos lee algunos poemas.

Nuevo disco de Daddy Rocks

2011-09-09T13:28:00.000-07:00

Berreta es el disco 016 del catálogo del sello rosarino Soy Mutante. El dúo Daddy Rocks, integrado por Jota u Hombre de color y Kimi Neptuno, se asoció a Nacho Espumado (Matilda, Los Daylight) para la grabación, mezcla, mastering y producción de su segundo trabajo, el sucesor de “Daddy rocks is killing the music industry”. Con arte de tapa realizado por Emiliano Caisso, el álbum cuanta también con Espumado en bajo (tema 8), Checho de Matilda en coros y Juampi en sintes adicionales.

En las 11 canciones, que se pueden descargar de la web, el dúo apuesta a un pulso bien bailable que Jota define como pop, aunque reconoce que para este disco se acercaron un poco más a los sonidos electrónicos sin llegar a pertenecer a la escena: “Nunca escuchamos música electrónica. Escuchábamos más pop, punk o música alternativa. El tema de la electrónica se fue dando porque no teníamos baterista y grabamos todos los temas con software. Y partir de meter una bata electrónica empezamos a investigar los synthes y se fue dando. Ahora ya estamos más metidos y este disco tiene que ver con eso”.

Influenciados por bandas como The Smiths y Happy Mondays el músico menciona géneros como la new wave y el post punk o el techno. Por allí se cuelan también ciertos gestos de Emmanuel Horvilleur e Erasure. Las letras están plagadas de imágenes y consignas que funcionan como estandartes loopeados sobre la noche y los vínculos. En la apertura del disco (Berreta), sobre sintetizadores y un ritmo machacante, Kimi canta “Quiero que termines de actuar/ tu paraíso flashear/ y después vomitar”, para coronar con ese estribillo la descripción del ambiente de una fiesta animada sobre las terrazas de un hotel de recoleta en verano.

+ Escuchá la nota y las canciones Disco Criminal, Garking y Escuchaste Cansei

Esta noche lo presentan desde las 22 hs en Mc Namara (Tucumán 1016) junto a la banda de pop/rock Sánchez.

El Video que les dejamos fue filmado en 2009 en el bar Amsterdam, con la colaboración de María Luque.

¿Pol está?...en donde no estuvo

2011-09-02T13:39:00.000-07:00

"Lobo suelto" / "Cordero atado" (1993), es el disco doble con 25 canciones que Los Redondos presentaron, por primera vez en su carrera, en un estadio de fútbol. En la cancha de Huracán, y con 80.000 espectadores en total, el magnifico evento que se volvería normal en la escala ricotera, daba prueba de la aceptación del álbum.

A diez años de la separación del grupo de Solari y Skay, y a casi veinte de la salida en formato redondo de canciones como “La hija del fletero”, “Un angel para tu soledad”, “Susanita”, “Caña seca y un membrillo” y “Es hora de levantarse, el cantautor Pol las hace propias e íntimas en su EP reciente “He estado en varios lugares a la vez”.

“Lo que yo intenté buscar es que la conexión con la banda esté más desde la parte emotiva de la canción, más que de la parte musical. Lo sentí así. Yo ehh…cursi esto, pero posta, buscaba emocionarme cuando canté las canciones”, reconocía Pol al promediar la charla. El disco que se puede bajar de la web tendrá en unos días una nueva edición artesanal de parte Polvo Bureau, un sello novel de la ciudad. “Vamos a hacer una tirada un poco más grande pero manteniendo el concepto de lo artesanal, desde el audio incluso se mantiene eso ya que fue grabado en mi casa”.

La casualidad hizo que el músico haya presentado el EP el pasado 6 de Agosto en la ciudad cuando se cumplían (el 4 de agosto) diez años desde el último concierto de Los Redondos en el estadio Chateau Carreras de Córdoba: “No me había dado cuenta, lo vi ese día y no lo podía creer. Fue muy loco, coincidieron un montón de cosas interesantes”, decía el cantautor que terminó encontrando, para presentar en vivo su ep, a otros músicos que eran fanáticos del grupo.

“Yo un poco digo siempre que fui un fan tardío de la banda. Tenía esa sensación de decir “cómo ni viví todo esto”, como una nostalgia de la banda, y entonces me puse a estudiar mucho y cuando toqué y grabé las canciones hice el experimento mental de pensar y de ponerme en el lugar de sí haber vivido todo eso, de haber formado parte de esa furia, de la mística ricotera”, explicaba Pol en charla telefónica.

David Nahón, artista plástico y amigo de Pol ha escrito sobre el trabajo que “un recuerdo es un cover de lo que pasó, que las canciones son percutores, links a donde uno quiere que sean. Un cover seria el relato de ese recuerdo: algo familiar, reconocido, que vuelve de otra manera. Una evocación que llama a alguna otra cosa protegida en la memoria”. Y apoyado en su intuición interpreta: “Pol quiere que se escuchen sus covers de Redonditos de ricota como un ejercicio voluptuoso de la amnesia. Escuchar para dejar ir y volver a descubrir. Para dejarlas ir y rencontrarlas de otro modo cumpliendo la ilusión que el amante anhela: vivir enamorado.(…)Escuchar y escuchar hasta desconocer las canciones y que parezcan inventadas y se sientan distintas y otras pero solo para volver a disfrutarlas. Pablo no escucha: ausculta. Por eso sus versiones son suyas y ya no de quien pertenecían. Y nosotros también somos suyos mientras escuchamos porque tensa nuestra memoria como una cuerda para pulsarnos allí justo en algún espacio entre la memoria y el momento presente”.

Sobre el mismo tópico el cantante reflexionaba en nuestro programa: “Cuando yo hago covers, cosa que me gusta mucho, no estoy pensando respetuosamente en la canción, esta vez sí por ejemplo. Si sentía que la canción se iba mucho no la hacía… ¡ojo!, para muchos ricoteros puede parecer que no. Aunque muchos picoteros de ley me aprobaron. Me parece que eso está en el disco, que se encuentren dos épocas. El hecho de decir cómo yo hago ahora, en un marco concreto e incluso ficciónal, para rearmar eso desde otra persona. No porque sea otra persona sino porque en quince años todos somos otra persona”.

Escuchá la entrevista completa

Pol habla de porqué los estudió “casi como una materia”, analiza la figura del Indio Solari de quien dice: “El acercamiento mas fuerte que yo tuve a la banda fue a través de leer entrevistas a él. Dije “tengo que entender qué pasa con esta banda”, sentí realmente esa necesidad de entender qué pasó. Y me da la sensación de que es un tipo muy abierto y que si alguna vez pensó en seguir un camino solista tuvo que haber tenido que ver con la necesidad de explorar los sonidos de un poco más libre, de no limitarse tanto al rock de guitarras. Igual es una idea, tengo como esa sensación”.

“En este evento va a hablar el objeto de estudio”

2011-08-24T13:29:00.000-07:00

Riendo sonoramente y con la gracia pícara que la caracteriza, así se refería la bagualera salteña Mariana Carrizo, a la invitación que le hicieron para participar en Tucumán del Encuentro Regional de Arte Folclórico del NOA, en la mesa “El Folklore en la Copla”. Allí, "desde adentro", brindó sus reflexiones y opiniones junto a Josefina Racedo, Nadia Larcher, Andrea Mamondes, Adelina Villanueva y el poeta Miguel Angel Pérez, el pasado fin de semana.

Como parte del programa "Yo tengo tantos hermanos", y organizado por la Secretaría de Cultura de la Nación; la Academia del Folklore de la República Argentina y el Ente Cultural de la provincia de Tucumán, entre otros organismos, en el encuentro se realizó también un reconocimiento a Vitillo Ábalos, bombisto de Los Hnos Abalos.

La sancarliña “libre y dueña”, que hasta los cinco años vivió con su abuela en Angastaco, pueblito de los Valles Calchaquíes, rememoraba en la charla que ella la llevaba en la “espalda a pastorear las cabras”. Fue en ese paisaje donde le llegó el canto de las señoras que también cuidaban sus animales: “Respire el aire de sus voces… y siempre tuve una pasión muy fuerte por la copla. Cada vez que yo cantaba me sentía que volaba tan alto como el cóndor mismo. Y la primera vez que canté en un escenario -a los 8 años- me sentí, te juro, mucho más grande que un pájaro. Desde esa vez persigo la sensación por cada escenario que me presento”.

Otros fragmentos de la entrevista:

Quien canta es la que habla

“El tema de la copla en mi caso es muy especial. Está bueno que me hayan llamado, no por mí como artista, sino por la copla en sí. En este caso Mariana Carizzo viene a ser como la copla misma. No lo digo por vanidad esto sino porque yo estoy desde adentro. Y siempre los estudios que se han hecho son de gente externa a esta cultura. La verdad que estoy contenta porque eso significa abrir el abanico mental”.

“Yo lo que tengo es mi vivencia desde la cuna. Yo nací, crecí y emergí desde estas aguas de las coplas, entonces tengo un lugar desde donde recibo a los que vienen a aquerenciarse en esta expresión cultural o a beber de ella. A partir de eso el planteo es la revaloración y la concientización real de este canto del que creo estamos lejos, porque se conoce muy poco del canto de la copla. No es lo mismo que alguien venga a hablar d e tu vida que vos hables de tu vida”.

“El canto de la copla es un canto netamente visceral, que se expresa a través de la voz, y en la mayoría de los casos con el acompañamiento de la Caja. Y expresa el sentimiento de la persona, de una cultura o de un pueblo, porque es un canto tanto íntimo y solitario como colectivo, y que se transmite de generación en generación y trae en sus entrañas una memoria ancestral enorme. Entonces cuando una persona canta una copla no solamente canta sus sentimientos sino el de sus antepasados…Cuando yo canto, como dice la copla, “yo no canto por cantar/ ni por tener buena voz/ canto por desechar penas y dar gusto a mi corazón”.

Los que se arriman a la copla

“La vidalita y la copla van más allá de lo que transmite en el momento. Siempre se han hecho estudios desde afuera. Leda Valladares por ejemplo era tucumana pero no era coplera, era una chica que se interesó por el género y que lo hizo de manera muy responsable. Fue una de las recopiladoras, junto a Isabel Aretz, lograron acercarse a las entrañas reales de los sentimientos de este canto. Juan Alfonso Carrizo también hizo trabajos notables, invalorables, pero desde un mirados, un punto que en el que el permanecía culturalmente que en ese momento era la parte conservadora. Coplas contra la iglesia o groseras no las ponía porque estaban mal vistas, era como que no existían”.

“Cuando la voz se quiebra es una quebradura de alegría o de dolor, se quiebre el sentimiento, no es que cantás una estructura y en ese momento tenés que quebrar la voz. Por eso digo que hay mucho desconocimiento. Aunque creo que los que se acercan a la copla lo hacen con mucho cariño y respeto”.

+ Escuchá la entrevista completa

Hoy se abre el telón

2011-08-18T14:22:00.000-07:00

Desde esta noche a las 21 hs en el Teatro La Comedia hasta el domingo en Sala Lavarden, la ciudad de Rosario vibra y disfruta de los conciertos del 8vo Encuentro de Músicos Populares.

Con las actuaciones de Gato Encerrado, Puente Celeste, Grupo de danzas Rizomas, Francesca Ancarola – Carlos Aguirre y Fernando Cabrera se termina la espera que se genera año a año en base al “ espacio de encuentro” que “intenta contribuir a esta lenta y difícil tarea de ir anudando pacientemente los hilos dispersos, reuniendo a músicos que -a pesar de estar generalmente excluidos de los canales de divulgación masiva- son los que han permitido que estas expresiones permanezcan vivas y dinámicas.", según dicen los organizadores.

La propuesta también incluye talleres diurnos en donde distintos instrumentistas brindan a chicos y chicas de todo el país los Talleres de Grandes Maestros; un espacio de formación e intercambio de conocimiento y creación. Allí Diego Petrelli, Marcelo, Néstor Gómez, Leandro Ojeda y Laura Midulla, Pablo Fraguela, Rolando Goldman, Mariano Cantero y Ernesto Snajer y Jorge Fandermole entre otros, son algunos de los artistas que imparten y dirigen estos interesantes espacios ligados al Encuentro.

"Desde siempre los pueblos han buscado expresar sus alegrías, temores, sueños y tristezas a través de distintas manifestaciones artísticas y, en esa búsqueda, han contribuido a la construcción de su propia identidad y de una cultura con rasgos propios. En tal sentido, la música, como expresión privilegiada del modo de ser y de sentir de una comunidad, ocupa un lugar irremplazable en ese proceso y es el lugar que se intenta recuperar con esta iniciativa"

Esta semana nos dedicamos a la cobertura y contamos con la palabra de organizadores, músicos y talleristas. Les dejamos dos entrevistas a la cantante Miriam Cubelos; que forma parte del grupo organizador y a Mariano Cantero (Percusión; Aca Seca trío) y Ernesto Snajer (Guitarrista) que dictan juntos el taller "La percusión y la guitarra en la música argentina"

Nota Miriam Cubelos

Nota Cantero - Snajer

Ahora el sonido es FM

2011-08-16T14:38:00.000-07:00

Sin Manza, con quien grabaron ese puñado de bellas canciones llamado “Flopa Manza Minimal” en 2003, Flopa Lestani y Ariel Mínimal (Pez) vuelven al ruedo con el EP "Reducción de Daños".

Las cuatro canciones, que podés descargar en su página y serán parte de un futuro disco, se nos presentan con el pulso de calmas guitarras acústicas y arreglos a dos voces que se llevan bárbaro.

“Es invierno” y para no quedar solo como “Las momias” después del “Atolondrón”, te recomendamos el disquito para reducir los daños. Después de todo “¡Así se trabaja!”.

Encontrarse en algún lugar

2011-08-15T12:46:00.000-07:00

A principios de agosto el escritor Marcelo Britos (Rosario, 1970) presentó su cuarto libro “Como alguien que está perdido” (cuentos) editado por “El ombú bonsai”. El autor de los anteriores Los Dogos (Ciudad Gótica, 2004) y Alexandria (Universidad Nacional del Litoral y Ciudad Gótica, 2007) y de la novela Empalme (Editorial Municipal de Rosario, 2010), por la que obtuvo el primer premio del concurso municipal Manuel Musto (2010), pasó por el programa para charlar y recomendarnos música."

Aludiendo al disco elegido decía: “A mi me gusta mucho el tango y una amiga de Corral Bustos me regaló para el cumpleaños el disco (Cabulero- Damian Torres Trío). Me gustan mucho porque hacen un tango clásico y me encanta el tango canción de la década del 20`. Me gusta Manzi, Cadícamo, Expósito. Y también me gusta el tango instrumental de esa época, no reniego de Piazzolla por ejemplo, pero prefiero más el tango instrumental cuando es clásico”.

Respecto a los once cuentos que integran las 124 páginas de Como alguien que está perdido Beatríz Vignoli escribió en Rosario/12 “que muestran un firme anclaje en las coordenadas de la ciudad y la provincia que habita su autor. Si bien el mundo desencantado que transitan sus personajes se asemeja al de los círculos infernales que recorren los de ese autor con nombre como de marca de whisky que es John Cheever (o, un poco más cerca en el espacio, Juan Carlos Onetti), la atmósfera y las referencias locales son reconocibles”. En tanto Britos contó en nuestro estudio: “Salvo dos cuentos que son de principio de este año, los demás los escribí cuando terminé de corregir Empalme. Así que son una especie de desahogo, de descanso de la novela que tenía una densidad formal como emocional, así que deben ser de 2009, claro que han tenido su proceso de corrección”.

Acá la nota con Britos

Bonus trak

Texto leído por el también escritor Federico Ferrogiaro durante la presentación del libro. Agradecemos al autor de El pintor de delirios y Cuentos que soñaron con tapas.

Buenas noches a todos y gracias por estar presentes…

La verdad que es un honor que se haya aceptado mi candidatura para presentar este nuevo libro de Marcelo. No sólo por la amistad que tenemos y el riesgo que eso implica en las opiniones, sino porque me gusta especialmente hablar sobre los libros que me apasionan y como Borges, Onetti, Castillo, entre otros, nunca me dejaron presentar los suyos, no quería que se me escapara la oportunidad de hacerlo con “Como alguien que está perdido”.

Doble satisfacción entonces para mí: primero la lectura del libro y, ahora, tener la oportunidad de contarles de qué se trata esta formidable compilación de cuentos de Marcelo Britos. Desde mi perspectiva, una de las principales características es la multiplicidad de los temas que podemos encontrar en los relatos y que marcan, sin dudas, la versatilidad y el ansia exploratoria de su artífice. Que aparezcan ambientes, escenarios, personajes siempre distintos y compactos, se completa con la capacidad de Marcelo para proponer voces nuevas, narradores diferentes que no opacan a la historia, a la trama, sino que ayudan a realzarla, a envolvernos como lectores en el desarrollo de los episodios.

Además de la heterogeneidad, la escritura de Marcelo, desde mi punto de vista, se sustenta en tres pilares: la seriedad con la que asume el oficio de escritor, el trabajo de orfebre que realiza con la lengua y el empleo de técnicas provenientes del cine que nos permiten visualizar lo que estamos leyendo y convertirnos en lectores activos y atentos.

Cualquiera que haya leído un texto de Marcelo, puede gustarle o no, pero no hay elementos para objetar la responsabilidad, el celo, el cuidado que dedica a cada frase, a cada periodo, a cada escena, al armado del relato en su conjunto. La prepotencia del trabajo, como diría Arlt, es una de las constantes de todos sus cuentos y mientras algunos creen en la inspiración como algo externo y mágico, en Marcelo respiramos el laburo, pero un laburo hecho desde el alma y con amor, un laburo hecho para perdurar, incorruptible. Y esto mismo se percibe en la perfección de su prosa, en el placer que sentimos cuando nos dejamos llevar por sus relatos. Parte de esta fórmula, de ese compromiso con el oficio, es el uso del lenguaje que nos asombra con sus imágenes, comparaciones y la dosis exacta de adjetivos. Y, en cuanto al montaje, es impresionante cómo Marcelo combina, en un mismo cuento, escenas, puntos de vista y focos diferentes, dejándonos a nosotros, los lectores, la obligación de recuperar los sucesos omitidos a partir de los indicios que va sembrando en el texto. Cuando ustedes lean, por ejemplo, “Verdún”, “Natación”, “Códigos” y “Raro” van a acompañar, no tengo dudas, esta opinión sobre el estilo Britos, una marca registrada realmente.

Sin pretender adentrarme más en el libro para dejarles a todos ustedes que hagan solos el descubrimiento, la exploración de “Como alguien que está perdido”, quiero agregar unas pocas palabras sobre una sensación espiritual que me deja la lectura de los cuentos de Britos. Algunos me habrán escuchado cargarlo, embromarlo diciéndole: “sos amargo, Britos”. No creo equivocarme. Pero esa amargura, que en parte compartimos, en Marcelo es fruto de la observación poderosa, clínica, que se concentra, que se nutre de la realidad, de ser un tipo que ya dio varias vueltas a su cuenta kilómetros, de tener experiencia en la escuela de la vida y de haber conocido, cara a cara y a través del sufrimiento propio y ajeno, lo devastadores que pueden resultar los puñetazos del destino. Amargura, sí, pero amargura existencial, angst, con la que Marcelo no se regodea sino que la sugiere, nos la entrega transformada, gracias al esplendor de su poesía.

Estoy seguro de que cuando nuestra ciudad se sienta mayor de edad, cuando aprendamos a valorar de la misma forma que hacemos con los externos, a los artistas y escritores que comparten nuestras calles, nuestros bares, nuestras plazas, cuando nos sintamos verdaderamente el polo cultural que nos pretendemos, cuando empecemos a reconocer a nuestros maestros locales, el trabajo de los que nos preceden y también de nuestros contemporáneos, y todo esto ojalá que pase pronto, estoy seguro, insisto, de que nuestro canon va a incluir en un lugar de privilegio a “Como alguien que está perdido”…

Te felicito Marcelo, y felicito al Ombú Bonsai, por darle vida a este excelente libro.
Muchas gracias.

Invitación!!!

2011-08-09T13:52:00.000-07:00

En el marco de los festejos por las 2000 emisiones a cumplirse en diciembre, iniciamos un ciclo de celebración musical junto a nuestros artistas favoritos y los oyentes. Es por eso que el domingo 21 de agosto a las 22 hs en Berlín (Pje Zabala 1128) recibimos la visita de Mariana Baraj en formato cuarteto.

La cantante, percusionista y compositora argentina -con cuatro discos editados- tocará las canciones del último álbum Churita (2010), y repasará los anteriores Margarita y Azucena (2007), Deslumbre (2005) y Lumbre (2002). En ellos aborda con gusto exquisito y un arriesgado tratamiento sonoro el repertorio de los compositores más representativos de nuestra música popular -Atahualpa Yupanqui, Cuchi Leguizamón y Leda Valladares- junto a canciones propias. Luego del recital, los invitamos a quedarse a bailar toda la noche con la mejor música del programa. Las entradas anticipadas se pueden adquirir en Mandrake Libros (Rioja 1869).

+ Escuchá nuestra entrevista con Mariana acá

Churita es el cuarto disco de la artista compuesto en base a nueve canciones que le pertenecen y el primero editado de manera independiente en su sello Cardonal Discos, también publicado en Japón. Con invitados de la talla de Alejandro Franov (acordeón y arpa), Marcelo Baraj (percusiones) y la participación especial de Fernando Ruiz Díaz (Catupecu Machu) y con un arte de tapa que realizaron Ariel Cortese (Diseño y muñecos), Martín Churba (estética) y Marcos López (Fotos y arte) el álbum articula en sonido, letras y estética los colores y atmosfera del paisaje norteño.

"Churita me mató. Es el folclore de 2020. Porque el folclore es viento, tierra, soledad y lamento del altiplano. Ella es todo eso: baguala, vidala y copla. Es una visión futurista de Tilcara, con esa cosa nocturna del rock.” (Fernando Ruiz Díaz, cantante de Catupecu Machu e invitado del disco)

“Churita , es el espejo de su tiempo, donde sortea con madurez el devenir experimental y los coqueteos con el pop de discos anteriores para fluir con más naturalidad en canciones que la describen como una coplera del nuevo siglo, entre la tierra de colores y la urbanidad del Tercer Mundo.” (Gabriel Plaza, Diario La Nación)

“Como Yupanqui, Mariana Baraj parece galopar sobre el canto anónimo. Su figura se funde con esas coplas que fueron mutando de garganta en garganta, maceradas por cientos de cantores en el noroeste argentino. Para ella, la tradición no es una idea estática. Su música está marcada por las culturas que atravesaron nuestro pasado y por la más absoluta contemporaneidad. Así, una cueca puede dialogar con Björk y una baguala con el jazz.”(Martín Graziano, revista G7)

+ Sobre Mariana Baraj. Protagonizó junto a la coplera de Angastaco (Salta) Julia Vilte la película documental "Esta cajita que toco tiene boca y sabe hablar" dirigida por Lorena Garcia. En Marzo de 2008 es convocada para participar del disco de la artista mexicana Julieta Venegas “MTV Unplugged” producido por Jaques Morelembaum.

Ha participado en diferentes proyectos y compartido escenario con los siguientes folcloristas: Jaime Torres, Ricardo Vilca, Tukuta Gordillo, Tomás Lipan, Teresa Parodi, Liliana Herrero, Marian Farias Gomez, Los Huayra, Orozco Barrientos, y Bruno Arias

Serenata a la Niña Yolanda en Lozano - Jujuy

2011-08-04T12:37:00.000-07:00

Su nombre dejó de ser sólo una referencia para los hombres y mujeres de “las artes, las letras, la clerecía y la política" que la visitaban en su finca en Lozano (Jujuy), cuando la dupla compositiva Leguizamon-Castilla le dedicó la famosa zamba para su cumpleaños número cincuenta. Desde ese momento, como también sucedió con otros personajes homenajeados por el poeta y el compositor, Yolanda Pérez de Carenzo pasó a estar en boca de todo aquél que cantara: “Ramito de albahaca/Niña Yolanda ¿dónde andará?/Atrás se quedó alumbrando/su claridad".

Según narran sus nietos Luis y Nicolás “la vía de acceso mas común a la casa era el ferrocarril que pasaba justo por detrás. Cuando había pasajeros que bajaban en la finca, el tren avisaba. Para el cumpleaños 50 el Cuchi y Castilla decidieron darle una sorpresa. Ese día el tren pasó de largo para desazón de la Sra Yolanda que esperaba los pasajeros a la fiesta. Pero los invitados se bajaron unos metros después y entraron sorpresivamente a la casa cantando todos la nueva Zamba de Lozano”.

Con el paso del tiempo, desde 1995, por la iniciativa de su hijo Marcelo Carenzo Pérez se organiza en el anfiteatro de ese paraje quebradeño entre montañas y caudalosos ríos, la Serenata que evoca su nombre a través del canto que le brindan los artistas que participan. Para la décimo sexta edición, que se realizará el próximo sábado 6, esta prevista la participación de Fortunato Ramos, Los de Jujuy, Marita de Humahuaca, los Diableros, Amaranto Chañi, y Los Romanticos de Cuyo. Las actividades darán inició a las 13 con la celebración de la ceremonia a la Pachamama (1 de agosto) y luego empezará el desfile de músicos sobre el escenario.

Escuchá la versión de Liliana Herrero y Juan Falú

Yolanda Pérez de Carenzo

Nacida en San Salvador el 16 de febrero de 1902, y fallecida el 20 de noviembre de 1968 en Córdoba, a los 66 años, mientras visitaba a su amigo, el padre jesuita Osvaldo Pol, fue hija del dos veces gobernador de Jujuy, don Pedro José Pérez, y de María Teresa Torres Portillo, una boliviana descendiente de los virreyes de Perú.

Según se la describe “gordita y de baja estatura, indiferente a la coquetería, siempre risueña y bohemia” estudió música, y fue maestra en la Escuela Belgrano de la capital provincial. Además se la considera una de las primeras mujeres que manejó un automóvil y fumó cigarrillos públicamente en su provincia y compartió con otras mujeres una especie de avanzada feminista jujeña que se reunía en el Club Social.

Para 1936, ofreció una serie de conciertos en Radio Municipal de Buenos Aires -donde se hizo amiga del famoso compositor Carlos Guastavino - y después en Salta, Tucumán, San Juan y Mendoza. Amaba desde siempre la música folclórica, pero también a Beethoven, Chopin.Casada con un miembro del ejército, Yolanda tuvo varios domicilios, pero fue Lozano el paisaje que enamoró a quien también seria gobernador de Jujuy. De ese modo todo viajero que remontaba para Humahuaca no podía dejar de pasar por su casa. Así lo hicieron los premios Nobel y chilenos Pablo Neruda y Gabriela Mistral, Yupanqui, Julio de Caro, Armando Tejada Gómez, el Cuchi Leguizamón, Enrique Mono Villegas, Ariel Ramorez, Jaime Dávalos, Conrado Nalé Roxlo, y la Negra Sosa. Con el tiempo, la finca de Lozano dejó de ser lugar de paso para convertirse en destino veraniego.

+ La foto de la nota pertenece a los festejos del cumpleaños 50 de Yolanda

+ Escuchá la nota a Facundo Vargas Durán, de la comisión organizadora del municipio de Yala

Todos estos años de música - Joel Tortul

2011-08-01T13:32:00.000-07:00

Les dejamos la palabra y la música del joven pianista Joel Tortul durante su visita a nuestro programa. Nacido en 1986 en Fuentes (Santa Fe) se viene consolidando como un destacado instrumentista.

Sobre “Punto Vivo”, su disco de 2010 grabado en el Auditorio Príncipe de Asturia del CCPE, por el Estudio Corcovado Móvil, y editado por el sello Blue Art Records, Tortul comentaba: “Sentí la necesidad de no tocar solo y de buscar un formato que no sea muy habitual en el tango ni en el folklore. Musicalmente también busqué algo que me permita tener más libertad en lo rítmico y en la mano izquierda del piano. Por eso convoqué a Pablo Rodríguez en batería y percusión y a Diego Ferreyra en contrabajo. O sea, la batería en la parte rítmica y la mano izquierda la reemplazaría el contrabajo. Entonces es como que yo pasaría a tener dos manos derechas”.

Escuchá la entrevista y la música

“La grabación es una materia más de los músicos -aseveraba el pianista-, no te creas que es fácil. Particularmente yo todavía no logré sentirme verdaderamente libre como a lo mejor puedo llegar a sentirme arriba de un escenario con público. Es como que uno a veces entra en un clima en el que se olvida de todo y a lo mejor olvida que hay gente que te está escuchando ¡Eso es bárbaro!...Me ha pasado de concentrarme y disfrutar, y al terminar el tema abrir los ojos y ver que hay gente aplaudiendo…y vos decís “¿que está pasando?”, eso es magnifico, eso es lo lindo del arte. De llegar a puntos y climas que uno no puede explicarlos”.

El sucesor de “Impulso de Tango”, con sus dosis de tango y folklore, incluye temas clásicos y composiciones propias. Allí están “La Trampera” (A. Troilo), “Chacarera Ututa/ La Carbonera (Juan Falú - Adolfo Ábalos y Julián y Benicio Díaz), “Soledad”, “Ecualo”, “Libertango” y “La Muerte del Ángel” (A. Piazzolla), “Malambo de las campanas” (H. Salgán) y “Tanguera” (M.Mores), junto a “Divadagio” y “Oigo tu voz”.

En el video - Tanguera de Mariano Mores

La que tenía al arlequín con la sopapa!!

2011-07-27T12:20:00.000-07:00

En el marco de la muestra ¡Mira qué lindas!, un recorrido por las tapas de discos latinoamericanos de los últimos 40 años, que podés visitar hasta el 14 de agosto en el CC Parque de España, se realizarán dos charlas en el Túnel 4, moderadas por los periodistas locales Diego Giordano y Federico Fritschi.

Hoy a las a las 20 la primera “El arte en tapa” tendrá como protagonistas a Rocambole (Redonditos de Ricota) y Alejandro Ros (Babasónicos, Miranda). Mañana jueves, también a las 20, “La foto de tu ídolo”, será con la presencia de Eduardo Martí (Spinetta, Fito Páez) y Nora Lezano (Charly García, Calamaro, Cerati).

Diseñada por la factoría de trabajo cultural española Zona de Obras, la muestra expone las tapas de cedés y vinilos históricos y contemporáneos. “Centenares de portadas han alcanzado estatus de objetos de arte —escribe Gabriel Peveroni, de ZdO en el catálogo—, generando estilos, marcando tendencias, provocando incluso un mecanismo que retroalimenta la dualidad música-imagen: un simple vistazo a una portada suele bastar para intuir el estilo musical, el grado de originalidad y el nivel de riesgo de la obra del artista que busca representar”.

Refiriéndose a cómo el rock vernáculo construyó su imagen de portada Peveroni amplia: “El hito que significó la portada del álbum debut del grupo argentino Almendra, cuando Luis Alberto Spinetta dibujó y coloreó la tapa desafiando el tradicional y conservador esquema de las compañías discográficas, marca un posible paradigma de la identidad gráfica propia del rock de la región”.

Visitas - De martes a sábados de 10 a 13 y de 15 a 20. Domingos de 15 a 20. Solicitar turnos para visitas guiadas de instituciones educativas al 426 0941 o a: visitasguiadas@ccpe.org.ar.

Esta canción cumplirá su misión! + Entrevista a Buscaglia

2011-07-26T13:34:00.000-07:00

A través de este video que les dejamos, Martín Buscaglia los invita a participar de lo que será su video clip de "Oda a mi Bicicleta" que forma parte de Temporada de Conejos, el último disco. Como cuenta el músico montevideano de reciente paso por Rosario, “la idea es que te filmes andando en bicicleta por donde quieras. En el lugar del planeta en donde estés…cantando la canción. Para que este proyecto en conjunto con la revista digital Los Anillos de Saturno salga de diez, el autor te recomienda con gesto de suplica: “Taria bien cantar la canción a tempo con la grabación. Eso se puede hacer con unos auriculares escuchando el tema”. En el video también se explica de qué modo hay que grabarse con una cámara de video hogareña, en 3 tomas.

El plazo de entrega es hasta el 30 de agosto de 2011 y el lanzamiento del videoclip oficial con todas las personas que hayan enviado sus videos e invitados sorpresa está previsto para el 22 de septiembre de 2011 en el sitio web de Los Anillos de Saturno como parte del proyecto Relatos Rodados, y en apoyo al Día Mundial Sin Autos. Acá están las bases para participar.

“La conciencia de los dos lados”...Buscaglia inventa, canta y cuenta en la radio.

Hace algunas semanas Martín pasó por De Ushuaia a la quiaca antes de tocar en el Bar Berlin con su espectáculo de “Hombre Orquesta” donde mostró el “Llame Ya”; ese formato estrenado hace poco en el que conviven instrumentos clásicos (bajo, guitarra), electrónicos, y “juguetitos” hechos por él mismo en donde el público presente participa activamente en el armado. En medio de la entrevista lo invitamos a jugar al Melómano y el tipo no arrugó para nada.

Mientras descubríamos cómo se llama la canción, cómo sigue la letra y quién es el autor, el artista habló de todo un poco. “Uhh, me parece que voy a marchar al espiedo en este juego -se atajó de entrada -, porque siempre me gustó la música que se iba un poquito de los cánones desde que era niño. Escuchaba Zappa por ejemplo cuando era chiquito, tenía tendencia a eso. Yo iba a los bailes en la escuela y todos llevaban los temas que se grababan de las FMs y yo ponía Jethro Tull y ponía unas demencias, re copado, y todos me miraban y ya sabían que era yo… Entonces ahora me pasa que descubro con un tema y voy y le digo a mi mujer “paah mirá este tema”, y ella dice “pero eso estuvo catorce semanas en el ranking y fue un megahits”.

Además, Buscaglia, habló del programa de radio que hace en Uruguay, sobre sus primeras composiciones en la infancia, -a los cinco cantaba “todo el mundo tiene corazones para hacer canciones- y, entre otras cosas, sobre ese “picaporte al más allá” que debe abrirse en el artista: “Me parece que el arte debe ser así, tenés que utilizar el arte como esa puerta hacia un lugar que vos sólo intuís. Los músicos o artistas que no usan ese picaporte no me interesan. Después cada uno tiene los elementos que pueden ser simples, complejos, divertidos, solemnes…hay mil modos de profundizar, de dar un poco más de lo que está en lo obvio o en la superficie”.

+ Escuchá la entrevista completa

Tio Gasheta y sus canciones crocantes

2011-07-21T13:12:00.000-07:00

El grupo “Tio Gasheta” presenta esta noche, a las 22 hs, en Mano a Mano Artes (Ov Lagos 790) su disco debut “Hasta agotar stock”. En el marco del ciclo “La fonda musical de los jueves”, la Negra Cerfoglio (voz); el Negro Verdun (guitarra y voces); Cucho Jalil (violín y coros); Ganso Lingotti (bandoneón); Nico Cipullo (bajo y coros); Esteban Porronett (batería y gritos); Guido Mutti (trompeta, trombón, saxo alto y coros) y Bachi Santone (saxo tenor y coros), más el recién llegado Lisandro Notario (guitarra), también a cargo de la grafica del disco, mostrarán la convivencia de ritmos y géneros de las canciones horneadas desde hace un año y medio en el estudio.

“Cuando nos piden una explicación rápida de lo que hacemos decimos que es “una fusión de ska, tango y cumbia”, pero se quedan medio tildados...entonces nos van a ver. Eso como estrategia de marketing sirve. (Risas) Pero (en el disco) mas que a la fusión o mixtura de géneros apostamos a que en algún momento, experimentando, salga algo propio. El primer disco es más una ensalada de géneros”, explico Porronet de visita en nuestro programa el lunes pasado.

Influenciados por variados estilos musicales, Tio Gasheta se mueve por paisajes sonoros que transitan del tango al rocksteady, de la polka al dub y de la cumbia al vals, la milonga y el swing.

+ La entrevista a Esteban Porronet y un repaso por las canciones del disco.

Poetas del país - Alejandro Méndez

2011-07-19T14:19:00.000-07:00

Nació en Buenos Aires en 1965. Publicó los libros de poesía: Variaciones Goldberg (2003), Medley (2003), Tsunami (2005), y Chicos índigos (2007). Coordina el taller de poesía “Laboratorio poético”. Además se encarga de la “primera curadoría autogestionada de poesía argentina contemporánea”; Las elecciones afectivas

Alejandro nos lee poemas inéditos de su próximo libro Pólder: Bajo los tilos, Osario, Espinas y traducción

Entrevista a Liliana Herrero

2011-07-18T12:03:00.000-07:00

El pasado mes de junio Liliana Herrero presentó su reciente disco Este Tiempo en Sala Lavarden. Horas antes del concierto, mientras intentaba acomodarse en el tradicional bar “El Cairo” para almorzar con sus músicos, luego de “un recorrido histórico-político” por la ciudad, conversó con nosotros. “Me da mucho gusto caminar por Rosario con mis compañeros de laburo”, comentaba la cantante. “Venir a una ciudad, tocar e irte no es conocerla…ahora yo me estoy dando el lujo de que juego de local…(recorrer) cansa un poquito pero es lindo. Sobre todo cuando vas a una ciudad como esta que es mi patria y puedo mostrar cosas que son muy queridas por mi”.

En esta entrevista, la interprete nacida en Villaguay cuenta cómo armó el disco integrado por composiciones de Luis Alberto Spinetta, Hugo Fattoruso, Guillermo Klein, Juan Falú, Lisandro Aristimuño, Carlos Aguirre, Jaime Roos, Ramón Ayala, Rubén Rada, Edú Lombardo, Diego Schissi y Fernando Cabrera, y en el particpan Juan Falú, Fito Páez, Richard Nant, Edú Lombardo y Ramón Ayala.

Además narra la anécdota de cuando Spinetta le envió su tema inédito “Bagualerita” para el álbum y reflexiona, entre la sonrisa y el asombro, sobre ese lugar que, buscado o no, le ha otorgado la crítica de “filosofa de la música”. “Yo no sé si me atrevería a decir que soy eso. Sí yo hago una reflexión sobre la música que hago, el sonido que quiero, las ideas que se me van ocurriendo. Yo qué sé…sí siento, aunque es incomodo para mi decirlo, que por primera vez la prensa, unánimemente, me coloca en un lugar... (Piensa y se pregunta qué palabra elegir)…privilegiado de algún modo. Pero yo pienso los discos que quedaron atrás y digo “pucha, ya en el 87` con el primer disco, el gesto artístico, estético y de interrogación de los temas era el mismo”.

+ La foto del posteo: facebook oficial de la cantante durante la etapa de estudio del álbum.

+ Sobre Este Tiempo

"Es un disco con un puñado de canciones de autores contemporáneos con los que un canto intenta dialogar. Entonces aparece la memoria de este tiempo porque no es la memoria pensada como una cantidad de eventos sumados sino como un desarreglo del presente por donde brotan restos de un naufragio. A través de estas repentinas rendijas que toda canción posee entrevemos los distintos sostenes de la identidad nacional y los pliegues de la memoria tenaz y exquisita de los pueblos. Este tiempo convulso y promisorio nos llama, a él nos entregamos en el acto de cantar que roza con lo ilimitado de la felicidad".

Vida y Obra - Eduardo Arolas

2011-07-14T13:43:00.000-07:00

Madre: - Eduardo tiene buen corazón
Padre: - Sí… tengo miedo de que se lo saquen todo.

El diálogo se da en una de las escenas de la película “Derecho Viejo” (1951), film sobre la vida del bandoneonísta, director y compositor de tango Eduardo Arolas. Mientras el músico -interpretado por Juan José Míguez- guarda su instrumento y se termina de preparar para ir a “dar una prueba” ante el dueño de una cantina, su madre lamenta que salga sin comer, lo cuida, abriga y apaña y su padre refunfuña (¡lindo trabajo ese!), aunque al saludarlo dice “ojala te vaya bien muchacho”. Afuera espera su amigo que lo acompaña y una señorita dulce que llega para desearle suerte: “Toda la noche pensaré en vos, te va a ir bien, muy bien”.

El tigre del Bandoneón

Apodado de ese modo, este influyente músico integrante de la llamada “Guardia Vieja” junto a Firpo, José Martínez, Villoldo y Pacho, entre otros, ha sido considerado por sus pares y otros compositores que lo sucedieron en el 2x4, como uno de los más grandes creadores del género. Como escribió el escritor, poeta y ensayista argentino José Gobello “Eduardo Arolas fue un verdadero vanguardista, dueño de un sonido diferente, único y cautivante, autor de títulos inmortales (Derecho viejo, El Marne, Retintín, Una noche de garufa)” y prosigue: “Lo advertimos ya en nuestra lejana adolescencia, cuando al escuchar sus composiciones, notábamos que no parecían pertenecer a la Guardia Vieja. Aquello -salvo, claro está, sus primeros tangos- era otra cosa, allí había una nueva sensibilidad, un aire sentimental desconocido hasta entonces, un carácter entrañablemente porteño -muy distante del inicial estilo azarzuelado-, detalles que estaban prefigurando esa manera que se generalizaría recién a partir de Pedro Maffia, Pedro Laurenz, Julio De Caro o Enrique Delfino, por ejemplo. Después, con el tiempo, advertimos que los tangos de Arolas seguían sonando a cosa actual; eso es vanguardia”.

Sus pares en el bandoneón y la composición, a esta altura artistas clásicos, también han definido su estilo en la ejecución y sus modos compositivos. Pedro Mafia señaló: “La ejecución de Arolas era brillante, enérgica”; En tanto Pedro Laurenz opinaba: “Era un excelente instrumentista, gran ejecutante y mejor compositor, vivía adelantado a su época, fue el creador del fraseo y del rezongo”; Julio De Caro (violinista, director de orquesta y compositor) coincidía: “Fue un ejecutante magistral, el creador del rezongo y del fraseo” y continuaba: “interpretaba con el bandoneón el idioma del pueblo, el idioma porteño”; coincidentemente, también se refería a “los rezongos en la ejecución” el pianista uruguayo Alfonso Fogaza, y agregaba: “Fue el inventor de los ligados”; José Pécora sumó su propia observación: “Realizaba armonías fraseando”. Mas aun, a nuestro juicio -y varios entendidos coinciden con esta apreciación-, fue el más grande compositor que dio el tango”.

Cuando le sacaron el corazón

Lorenzo Arola – según su verdadero nombre- nació en el porteño barrio de Barracas el 24 de febrero de 1892; hijo de los inmigrantes franceses (Henri Arola y Marguerite Saury) y hermano menor de Enrique (guitarrista y letrista del tango) quien se convertiría en uno de los causantes de su terrible dolor por fugarse con su mujer. En "Mal de Tango, historia y genealogía moral de la música ciudadana" de Gustavo Varela, se dice que Arolas solía girar por los prostíbulos del interior de la provincia de Buenos Aires y fue en uno de ellos, en la ciudad de Bragado, (oeste Prov de Buenos Aires) donde conoció a una muchacha llamada Delia. Inmediatamente la sacó de ese ámbito y la llevó a vivir junto a él y su hermano mayor José que lo había iniciado en la música. Una madrugada, cuando el Tigre del Bandoneón llega a su casa, después de una actuación, descubre que Delia se había fugado con su hermano. Coinciden algunos críticos y notas periodísticas que la borrachera que se agarró esa noche llego a sostenerse hasta sus días finales cuando falleció en París, el 29 de septiembre de 1924, en el Hospital Bichat por una tuberculosis pulmonar. Otra versión más romántica (que se ha descartado) narra que Arolas murió a raíz de una golpiza de los “macrós” parisienses, “por robarse una francesa”, como sostiene Enrique Cadícamo. A esa ciudad luz se había mudado en su segundo viaje en 1920 junto a la francesa Alice Lesage, inspiradora de su tango “Alice”.

+ Les dejamos la nota con el periodista y estudioso del tango Gerardo Quillici sobre algunos aspectos de la vida y música de Arolas.

Uno y Uno Rock II

2011-07-01T14:59:00.000-07:00

Luego del exitosísimo “Uno y Uno Rock”; primer episodio, volvimos a invitar a algunos músicos de la ciudad que tocan este fin de semana a participar de la nueva sección. Esta vez se sometieron a nuestro cuestionario Matías Barrera, El “Negro” Lucas (De Mononinos), Flor Croci (Flor de Banda), y Daniel Querol (Ayer Nomás). Cada uno de ellos nos invita y cuenta de qué van sus presentaciones y charlan sobre diversos aspectos de sus vidas musicales, canciones y discos.

Les dejamos el fragmento del programa que, además de las respuestas y reflexiones de los mencionados más arriba, cuenta con frases celebres de “Mosca” de 2 Minutos, Andrés Calamaro, Palo Pandolfo, Capusotto, Luca Prodan, Bob Dylan y algunas voces más que opinan, celebran o condenan y alimentan el rock nuestro de cada día. Por supuesto que además del palabrerio podés escuchar canciones de los músicos que participaron y a Manal, como parte del espectáculo de texto y música Ayer Nomás.

+ Matías Barrera se presenta junto a Rubín esta noche desde las 21 hs en Jekyll &Hyde (Pje Zabala y Mitre)

+ DeMononinos toca con Lima Sur en Ciclo Ecléctico, esta noche a las 22 hs en Mano a Mano (Ov Lagos 790)

+ Flor de Banda con invitados hará lo suyo el sábado a las 22 hs en Eulogia Resto Bar (Jujuy 2868) con entrada gratis .

+ “Ayer Nomás”, escrita por Osvaldo Bazan y protagonizada por Daniel Querol y Ariel Marti, sobre los comienzos del rock nacional cumple 20 años y los festeja con su presentación en el Teatro Broadway (San Lorenzo 1223) el sábado desde las 21 hs.

Alvy, Nacho y Rubin...tres chiflados por Merritt!

2011-06-24T12:53:00.000-07:00

Los Campos Magnéticos están esta noche en Berlín (23 hs - Pje Zabala 1128) y también están en la prensa argentina indie y mainstream. Así que para los que se interesan por toda esa información metamusical que tanto nos alimenta y sirve a la hora de escuchar un disco (datos precisos, críticos, y anécdotas de la banda), les dejamos links a un par de notas supercompletas de Radar, Rolling Stone, Zona Indie. Ahí van a encontrar quiénes son los músicos del trío, por qué tocan, qué tocan y cantan, quiénes es Stephin Merritt y su banda Magnetic Fields y un montos de cosas más que ayudarán a que crezca -antes nazca- el amor por estas canciones inmejorables.

Pero esto no es todo, porque a la selección (así le llaman a las pocas ganas de escribir lo propio) de notas de sitios web y diarios, le sumamos el audio de la entrevista que sí hicimos en nuestro programa de radio con Sebastián Rubin: “Una de las cosas que el nos marcó cuando le mandamos las letras para que las chequee, fue que a él no le interesa que las canciones tengan un género, en cuanto a que estén dedicadas de un hombre a una mujer, de una mujer a un hombre, ni siquiera de hombre a hombre. Trató todo el tiempo de eludir o evitar el género. Él quiere que las canciones sean universales, y eso en ingles se puede, porque los sustantivos y los adjetivos no tienen género”.

Ahí retomamos algunas cuestiones que ya se habían dicho sobre su grupo en esas mismas notas y tira más data sobre Alvy, Nacho y Rubin interpretan a los Campos Magnéticos Vol 1, (descargalo acá) sus compañeros de proyecto y cómo sigue la cuestión, sobre el propio Merrit y el preciso y precioso trabajo de traducción y recomposición que encararon para llegar a editar dos discos.

También, para no olvidarnos de algo importante, colgamos la pintorequisima videonota que realizó el sitio Clubdefun, los anfitriones de “Los Campos…” en Rosario para el relanzamiento de su página web en una noche a puro Folk. Bueno, eso es todo diría Casas.

Beatriz Vignoli - Vueltas y vueltas y vueltas en el aire

2011-06-14T15:35:00.000-07:00

En su columna de hoy, Beatriz Vignoli nos paseó por varios temas que tienen que ver con el arte de Rosario. Haciendo honor al titulo del espacio que mantiene cada quince días, la charla fue derivando desde la poesía a la narrativa infantil, y desde la música a la escultura y la fotografía.

El final estuvo dedicado a Leopoldo Lugones, por quien se celebró el Día del Escritor ayer lunes trece, y su relación con Jorge Luis Borges, al cumplirse hoy el 25º aniversario de su fallecimiento. Además, como si estas fechas indicaran poco, Vignoli hizo mención a que un 14 de Junio de 1982 Argentina presentaba su rendición ante Inglaterra en Malvinas y cómo estos acontecimientos llevaron al autor de “El Hacedor” a escribir el poema “Juan López y John Ward”.

+ Poesía - Más tiempo para anotarse

La Editorial Municipal de Rosario anunció la extensión de la inscripción al Concurso Municipal de Poesía "Felipe Aldana" 2011. Quienes estén interesados en participar con sus poemas de este “importante premio, un verdadero espaldarazo para autores noveles de Rosario”, según Vignoli, tienen tiempo hasta el 31 de agosto. Los originales podrán ser enviados por correo a: "Editorial Municipal de Rosario, Avenida Aristóbulo del Valle y Callao, 2000, Rosario, Premio Aldana 2011", o entregados personalmente en la misma dirección, en el horario de 9 a 14. Las bases acá.

+ Cuentos Infantiles - “Un gato no es para mi”

Así se llama el cuento que escribió la niña de diez años Malena Garello, con ilustraciones de Marianela Alvarez, y que forma parte del libro “Colección Infantil de Cuentos"; 10 títulos escritos por chicos de hasta 13 años que se presentará mañana miércoles a las 17.30, en la Biblioteca Argentina (Presidente Roca 731).

Todos los artistas involucrados fueron seleccionados a partir de dos concursos en el que participaron más de 500 chicos y se presentaron más de 70 carpetas de ilustradores. La colección costará 80 pesos y podrá conseguirse en los stands de la Editorial Municipal, en los centros municipales de distrito, oficinas de turismo y la Peatonal, entre otros puntos, y también en librerías de la ciudad.

+ Música - Canzonettas Rock

Para musicalizar su espacio Vignoli trajo un álbum que editó El Museo del Puerto de Ingeniero White, en el partido de Bahia Blanca, donde diversas bandas de rock y derivados versionan antiquisimas canzonettas provenientes de la experiencia de la inmigración italiana, fuertemente vinculada a la pesca artesanal.

Cuentan en la gráfica que “el cd reúne canzonnetas que vinieron de Italia guardadas en la memoria, a veces también en una mandolina. Desde finales del siglo XIX llegaron con cientos de trabajadores al puerto de Ing White. Cuando se construía el muelle de la empresa inglesa Ferrocarril Sud, que indicaba el ingreso de Argentina en el mercado mundial como proveedora de materias primas, ya se empezaron a entonar”. De este modo bandas como “La Masturbanda”, “Polaroid”, “La Cigarra” y “Robado 22”, entre otras, recrean “O Sole Mio”, “La Romanina” y “Torna a Surriento” en clave contemporánea.

+ Fotografía y Video – Muestra Lebreles o los cazadores de imágenes

En la galeria Darkhaus (Corrientes 267), esta abierta hasta el 25 de junio una muestra colectiva de los autores: Bárbara Sandoz, Paulina Scheitlin, Ariel Trevisan, Milos Nasio y Gastón Miranda. Según escribía nuestra columnista en el Rosario/12 de hoy los “Cinco artistas emergentes de Rosario (cuatro fotógrafos y un videasta) que vienen pisando fuerte en años recientes, exponen hasta fin de mes… La muestra con curaduría de Lila Siegrist y Pablo Montini reúne obras en un conjunto de singularidades de notable coherencia".

"El repertorio visual de estos jóvenes se organiza entre límites inexactos de resolución conceptual, para generar grandes amplitudes de cartografías autónomas de sectores cercanos y frecuentes: la ciudad, el trabajo, el escritorio, el terreno, el retrato", escribe Siegrist en el texto de catálogo, donde los define como "ágiles y alertas": lebreles a la caza de imágenes.

Refiriéndose al trabajo de Paulina Scheitlin -el que más le gustó- Vignoli dijo: “Tiene que ver con la música que pasamos recién (Canzonettas Rock). Tiene que ver con el espesor de la nostalgia, con rincones donde aparecen restos de costumbres olvidadas. Lo obsoleto, lo anacrónico. Como dice Hal Foster “la espectralidad de lo anacrónico”. Este concepto lo trabajaron mucho los surrealistas, y lo trabajó Benjamín (Walter) en relación a los surrealistas. Y Foster lo labura en un libro maravilloso que se llama “Belleza compulsiva”.

"Ahí cuenta cómo los surrealistas tenían esa fascinación por coleccionar cosas de los mercados de pulgas, objetos caídos de su propia época, que eran como pequeños túneles del tiempo.Y Paulina encuentra esos rincones, tiene esa sensibilidad. Ella toma el buen recaudo de tener siempre la cámara. Ella camina, recorre y encuentra. No es que busca, encuentra. En eso se parece también a los surrealistas. Bretón hablaba del “azar objetivo”. Él tiene un libro hermoso de sus caminatas por Paris que se llama “Nadia”- gran inspiración para Cortazar en Rayuela- donde confía en ese azar objetivo que la va a deparar estos instantes maravillosos. Siempre se encuentra con algo que lo hace saltar del continuum temporal”.

+ Escultura – Adrián Villar Rojas en la Bienal de Venecia.

El joven artista plástico rosarino Adrián Villar Rojas, está representando al país, exponiendo en el pabellón central de la 54º edición de la Bienal de Venecia, que se desarrollará hasta al 27 de noviembre en Italia, su obra denominada “El asesino de tu herencia” con gran éxito de crítica y público. Su monumental trabajo de 250 metros cuadrados se basa en 12 escultoras de dos toneladas y media cada una realizadas en arcilla con la curaduría de Rodrigo Alonso.

“Él viene trabajando con cuestiones muy interesantes relacionadas con la música (rock y pop) y la ciencia ficción. Aplica en su trabajo nociones que toma de esos dos campos. Trabaja obras monumentales en arcilla. Le interesa esa contracción, la mortalidad y lo efímero”, contaba Vignoli y ampliaba: “Las preguntas que se hace Villar Rojas en su obra son imaginarse el fin de la civilización, el fin del idioma, el fin del arte. Él hace una obra efímera que va durar lo que dure la bienal y después se destruye. Sin embargo se plantea hacer una obra que pueda ser comprendida por una civilización futura, o hacerla como si la hubiera hecho una civilización del pasado más remoto”.

Villar Rojas de 31 años y que estudió en el Politécnico y después en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Rosario está instalado en Buenos Aires desde hace un tiempo donde desarrolla su carrera artística. Hace unos días Villar Rojas recibió la visita de la presidenta Cristina Fernández, quien realizó gestiones para reabrir el pabellón argentino que se encontraba cerrado por deudas, y unas horas después ganó el premio Benesse Prize, que Japón entrega a “artistas emergentes”.

+ Aniversarios – Borges, Lugones y Malvinas

El cierre de la columna estuvo dedicado a Borges y Lugones. En el caso del escritor de “El jardín de los senderos que se bifurcan” hoy 14 de junio se recuerda el 25 aniversario de su fallecimiento. Mientras que por el precursor de toda una generación de escritores argentinos, autor de "La Guerra gaucha", "Lunario sentimental" y "Crepúsculos del jardín", ayer lunes 13 se celebró el día del escritor.

Retomando la idea del “azar objetivo” expuesta en alusión a la muestra fotográfica Lebreles, Vignoli expresó: “Esta coincidencia es un azar objetivo. Que el 13 de junio sea el día de Lugones y el 14 el día de Borges. Y además un día como hoy de 1982 Argentina firmaba su rendición en Malvinas. Es notable que coincidan en el tiempo porque hay una muy fuerte conexión entre ellos. ¡Es de una densidad! Y fijate que la coincidencia con la guerra es un puro azar. Esto es lo que Bretón llamaba el azar objetivo, un azar que depara significación. Es legible como di fuera un signo y no surgió como signo.Borges opera para ser el nuevo Lugones. Él lo admiraba mucho pero también lo denostaba. Tiene una relación amor odio”, contaba Vignoli.

En el audio, el análisis completo de Vignoli sobre la relación entre los dos escritores y sus posiciones políticas y estéticas. Continuidades y discontinuidades entre las dos obras monumentales. El prologo de “El Hacedor” como una reunión imaginaria entre los dos directores de la Biblioteca Nacional. Una poesía de Casas donde pide disculpas por escritura automática y solicita que se lo reciba. Y la construcción del canon desde la figura del parricidio según Harold Bloom. “Yo escribí un ensayo que se llama “Releer a Lugones donde establezco este conflicto entre los autores”. Un aspecto que me interesa explorar de la literatura es la cuestión de la relación padre-hijo, como tema pero también como constitutiva de la literatura misma. Los padres literarios que uno se inventa... El que propone por primera vez ese modo de pensar la literatura es Harold Bloom, un autor muy discutido y cuestionado. En su texto clásico de los setenta “La angustia de la influencia” plantea esta cuestión del parricidio literario. Construye el paradigma del parricidio”.

El Rock local responde

2011-06-10T12:00:00.000-07:00

Algunos de los músicos de la ciudad se coparon y se sumaron hoy a nuestro Uno y Uno Rock. La consigna que les planteamos a Nahuel Marquet de Degradé, Gonzalo Aloras, Mc Fly de The Broken Toys, que fue relevado en el aire por Ariel, guitarrista del grupo, Diego Casanova de Rosario Smowing y Topo de Alegre no Tanto, fue responder preguntas de variado pelaje sin demasiada solución de continuidad en el espacio de lo que dura una canción propia. Luego escuchamos otro tema de la misma banda.Así sonaron Espina (Degradé); Hablando a tu corazón (Aloras); Mala Pasada (Broken Toys); Buen Día Lucia (Smowing); y Cielo Amarillo (Alegre no Tanto).

Si sos de la pampa escondida, neocelandés o vivís sin escuchar música, acá tenés un breve pantallazo de lo que este fin de semana sucederá en vivo en Rosario contado por sus propios protagonistas.

Toda la primera parte del programa en el reproductor que les dejamos

Se fuerza la Máquina??

2011-06-09T12:12:00.000-07:00

En el marco del Mercado de Industrias Culturales Argentina (MICA), el proyecto UnConvention produjo, grabó y editó, en formato físico y virtual, un disco en 3 días que cuenta con diversos músicos emergentes del país. El experimento, originario del Reino Unido, propuso a los músicos vivir los procesos creativos de la grabación, producción, diseño, merchandising, marketing y lanzamiento, espacio en el que se vienen moviendo los artistas, en un tiempo entre 24 y 72 horas.

Entro los invitados a las jornadas llevadas a cabo entre el 3 y 5 de junio había académicos, managers, fotógrafos, cineastas, diseñadores, artistas y, estudiantes, emprendedores, productores, promotores, y diseñadores. El álbum, que podés escuchar en el servidor Soundcloud, cuenta con canciones de: Diego Schissi Quinteto (Astor, de pibe); Lucio Mantel (Punto de fuga); Seba Ibarra (Niño Paraná); Cuarteto la Púa y Black Rodríguez Méndez (Mariposita); Pablo Dacal (La era del sonido); Aymama (Mal das -coplas); Paola Bernal (Tiembla); Altertango (Para Siempre); Laura Ros (Por qué tus ojos); y Malyevados (No existe).

De la gráfica estuvo a cargo el grupo de diseño Trimarchi, que también realizó un documental sobre el proceso creativo del disco. En tanto el mastering lo hizo Andrés Mayo. Al seguimiento de todo el proceso, se sumaron una serie de charlas y conferencias como: ¿Copyright, Copyleft o Creative Commons? ¿Cuál es el mejor camino para creativos independientes? O Herramientas digitales para la autogestión y marketing en línea sin costos.

“Un-Convention es un evento y una comunidad musical de base, a nivel global que se reúne física y virtualmente para compartir ideas, discutir y debatir temas de actualidad relacionados con la música, la tecnología y la creatividad y facilita el compromiso de los miembros con sus compañeros. Un-Convention no tiene que ver con el negocio de la música. La comunidad es impulsada por una organización sin fines de lucro que visualiza los cambios en la manera de producir, consumir y sostener la música, como una oportunidad para las comunidades de base”, explican en su perfil de facebook.

+ Les dejamos el documental

Con ustedes...Eduardo Lagos!

2011-06-06T13:31:00.000-07:00

El pianista murió en junio de 2009. Pero dejó una música exquisita. Cada vez que fue sobre un tema lo transformó en algo nuevo. Y también lo propio vino con aire de renovación. Al momento de su fallecimiento varios críticos del país coincidieron en llamarlo el “padre de la proyección folklórica”. Algo de eso mismo él decía cuando en 1969 salió “Así nos gusta”, un trabajo discográfico en el que tocan Piazzolla, Hugo Díaz, Domingo Cura, y Carlos Franzetti entre otros, todos quienes se reunían en la época para improvisar y experimentar. “Sabemos perfectamente que no estamos «haciendo folklore», pues el folklore ya está hecho y, a lo sumo, podremos hurgar en su esencia y en sus raíces para proyectarlo hacia hoy”.

Supo también definir sus composiciones como “música argentina popular contemporánea”. En tanto Hugo Díaz (armoniquista) bautizó humorísticamente como folkloréishons a esas juntadas que con el tiempo se convirtieron en disco.

Hoy escuchamos Dialecto, “un registro de 1990 que grabó junto a dos compañeros en inspiración, género y generación, el contrabajista Jorge González y la batería del Pocho Lapouble”. Allí conviven con gusto magistral diversas escuelas y estilos de nuestra música popular folklórica. Nombres y obras fuertes del siglo XX como Andrés Chazarreta, los Hermanos Abalos, Atahualpa Yupanqui, Horacio Guarany y César Isella, y dos de sus sus composiciones más conocidas; Tono y dominante y La Oncena (1956).

Este oftalmólogo de profesión nacido el 19 de febrero de 1929, se formó desde niño, a los 7 u 8 años a instancias de su maestro Juan Carlos Paz, luego de que su familia lo enviara a estudiar tras escucharlo tocar. “Todo empezó a los 8 o 9 años. Un día yo estaba oyendo la radio y sonó algo que me gustó. Fui al piano y lo toqué, muy torpemente. En mi familia creyeron que era Mozart y me buscaron un maestro”.

Balbuceantemente podemos mencionar que propuso la improvisación y trabajó nuevas formas armónicas sobre los ritmos locales. Con humor, desparpajo y mucho conocimiento sobre los materiales que moldeaba, forjó una música expansiva que llevaba consigo el color local.

Les dejamos en cada palabra un link, de ese modo pueden ampliar la perpectiva sobre este creador. Aunque recomendamos fervientemente que lo escuchen.

La boca de las flores - Alejandra Bermejillo

2011-06-03T12:29:00.000-07:00

En su reciente “Flores del silencio”, la cantante mendocina Alejandra Bermejillo recorre una serie de temas folklóricos argentinos y latinoamericanos de la mano del pianista Daniel Morcos, con quien ya había trabajado en su anterior disco “Originarias”, y de Ernesto Perez Matta, recientemente incorporado en instrumentos varios de percusión.

Violeta Parra (De cuerpo entero); Jorge Fandermole (Zamba de lo perdido y Huayno del diablo); Chico Buarque-Lobo (Choro bandido); Yupanqui-Risso (El aromo); Pepé Nuñez (La media pena) y Galán-Valladares (Vidala del último día) más algunas piezas del pianista entre otros, son parte del repertorio que la interprete aborda para “reconstruir ese mapa que se perdió”.

El álbum cuenta además con la presencia de los invitados Marcelo Stenta en guitarra, Sebastián Ramirez en cuatro y charango, Diego Cortéz en Flauta, y Gabriel Nuñez en Armonica, que aportan sus timbres en la coloratura general. “Hay tantos compositores en nuestro cancionero que fueron olvidados por todo lo que ha pasado en el país. Yo me siento en la obligación de volverlos a revivir. La música se revive cuando se puede escuchar…Siento como una obligación moral de devolver algunas autores que se perdieron. Tuvimos toda una etapa en el país donde nos parece que el folklore moderno es lo que escuchamos ahora, del cual algunas cosas son hermosas, pero antes hubo un montón de gente que hizo temas maravillosos, de los cuales muchos eran revolucionarios”, explicaba la también docente en la Carrera de Canto de la Escuela de Música popular de la UNC donde egresó como Licenciada en canto.

Por dónde empezar

La ganadora de varios premios en su provincia como el concurso “Presencia en la música” organizado por la Fundación Antorchas en 1998 o el Premio Escenario a la Mejor Labor Folklórica, otorgado por el Diario Uno de Mendoza en 2006, cuenta que para realizar sus últimos discos partió de un disparador: “Las dos veces que trabajamos y elegimos repertorio, fue a través de un disparador. La primera fue la maternidad (En Originarias) y esta vez quisimos hablar sobre las contradicciones. De aquellas cosas que a uno le parece que son de una forma y a lo largo de la vida descubrís que son de otra…o que parecen antagónicas y sin embargo forman parte de lo mismo. A partir de ahí fuimos buscando cosas que nos llevaran a ese pensamiento, que por ahí no son tan explicitas pero están”.

Para ejemplificar esta idea Bermejillo elige el caso del aromo: “Es una plantita que todos la ven como feliz porque tiene toda el agua y el sol para ella sola, porque ha nacido en medio de una piedra, y todos la envidian, pero que sin embargo esta desgarrado porque ha nacido rompiendo una piedra…desde dentro de algo duro y rocoso”. “Desde ese disparador fuimos buscando poesías que tuvieran que ver”.

Otros aspectos de carácter naturalista que refuerzan el concepto provienen de la Zamba de lo perdido, de donde extrajeron la frase para titularlo. “Azul de la noche alta/ vení a callar esas voces/que son flores del silencio/cantándome sus adioses”. Además, al momento de mencionarlo - cuenta Bermejillo- apareció de parte de su hija la imagen de las flores que nacen del cactus: “Surgió el tema que en Mendoza, por el clima, tenemos muchos cactus en las montañas. Y en primavera cuando florecen uno no puede creer que detrás de esa planta tan agreste y pinchuda exista esa flor tan hermosa y de esos colores. Entonces hablando de las contradicciones ella habló del cactus y nos gustó. Flores del silencio, que parece que no existen y de golpe florecen”.

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Vida y Obra - Andrés Chazarreta

2011-05-30T13:30:00.000-07:00

A partir de la sanción del 29 de mayo, según la ley nro. 26.665, como el “Día Nacional del Folclorista”, por conmemorarse el natalicio del músico, compositor y recopilador santiagueño don Andrés Chazarreta (29 de marzo de 1876 – . 24 de abril de 1960) volvimos sobre algunos aspectos de su “Vida y Obra”. Sobre la tarea que el “Patriarca del Folclore” comenzó a elaborar a comienzos del siglo XX y su legado conversamos con Emilio Pedro Portorrico; investigador, difusor, y Autor del Diccionario Biográfico de la Música Argentina de Raíz Folklórica.

“La generación mía es netamente radial digo yo, porque si tengo el oído acostumbrado es gracias a la radio. Lo que se difundía en la década del 50` eran mayormente artistas nacionales. Vagamente conocía algunos temas de Chazarreta a los 15 o 16 años, mientras estaba en el colegio secundario y tenía mi conjuntito de folklore. Pero las primeras noticias llegaron cuando cayó en mis manos el libro de Carlos Vega “Apuntes para la historia del movimiento tradicionalista” y ahí me di cuenta de su importancia”, decía nuestro entrevistado.

Ese valor que Portorirco reconoce, y que validan homenajes y hasta la reciente sanción del Senado, no fue considerado de igual modo cuando el Director de su “Orquesta de Arte Nativo” intentó presentarse en su ciudad y desde la Municipalidad le objetaron que un espectáculo de esas características "remitía a un pasado bárbaro". Ya en 1906 cuando Chazarreta tocó en público por primera vez "La zamba de Vargas", en un pequeño teatro santiagueño, las autoridades y la clase aristocrática consideraron a la música nativa como "un retroceso para la cultura".

De igual modo la numerosa agrupación, de más de 35 integrantes, compuesta por artistas vocacionales, como la Vieja Clodomira, bailadora de malambos, el zapateador santiagueño Antonio Salvatierra, y poetas como Patrocinio Díaz, entre otros, debutó el 11 de agosto de 1911 en un teatro cedido por un francés. Para cuando el fenómeno llegó al teatro Politeama de la capital del país en el año 21, Chazarreta ya tenía en su haber un rico trabajo recopilatorio realizado por el norte del país.

Aunque esa serié de presentaciones capitalinas contó con el apoyo de intelectuales y escritores de la época como Leopoldo Lugones y Ricardo Rojas, para Portorrico se trato de “más ruido que nueces”: “Chazarreta se presentó ante un público perteneciente a esa corriente que habían abierto Ricardo Rojas y otros escritores; sobre el Nacionalismo y el Criollismo de esos años. Entonces ese público de Buenos Aires, que es una ciudad muy cosmopolita, no asistió en masa. Los que poblaron el Politeama simpatizaban con esa corriente. De todas maneras la llegada de Chazarreta con su elenco descorrió el velo sobre una parte de la cultura nacional. Él tuvo que vencer muchas oposiciones para llevar su compañía a un escenario”.

Analizando la corriente ideológica de la época Portorrico agregaba: “Había un Nacionalismo algo exótico a principio de siglo. En el sentido que no tenía las raíces clavadas en lo que era la identidad nacional, sino que en alguna medida buscaba legitimar la hegemonía de una clase social sobre las demás… En esto no estoy siendo demasiado original, sino que repito palabras de Ricardo Kaliman, (estudioso tucumano, autor de “Alhajita es tu canto El capital simbólico de Atahualpa Yupanqui”). Lo que dice Kaliman, después que se había exterminado la barbarie del gaucho y el indio, lo digo en términos irónicos, las clases sociales dominantes, ante la aparición de los inmigrantes y de una cultura diferente que cuestionaba su hegemonía en el poder, vuelven a tomar esos símbolos, el gaucho y las tradiciones, como una herramienta para legitimarse en el poder económico y político”.

¿Respecto al trabajo de Chazarreta que opinión tiene? En algunos aspectos fue criticado por atribuirse ciertas piezas…

A todas luces todo su aporte fue muy valioso, a pesar de que haya sido criticado. Hasta 1937, -cito de memoria- no existía una ley de propiedad intelectual sobre la autoría de las canciones. Así como lo hizo Chazarreta hubo otros recopiladores que se atribuyeron obras anónimas firmándolas como propias o suscribiéndolas. Al mismo tiempo Gomez Carrillo estaba recopilando para la Universidad de Tucumán, pero sin tanta notoriedad. En Cuyo estaba Raúl Salinas que había firmado como propias cosas populares. Un dato curioso es comparar al dúo Gardel-Razzano haciendo “Cordobecita Serrana” y es igual a la Zamba de Vargas”. Es como en la época de la colonia que había hacienda chúcara. No se lo puede culpar por eso. Y por el contrario tuvo la idea de poner en partitura esas piezas para que no perdieran, para que llegaran a nuestros días y se pudieran escuchar y bailar.

¿En esa época se sistematizada este tipo de estudio sobre el repertorio folklórico de argentina?

Hay toda una corriente durante y después de Chazarreta, impulsada por el Nacionalismo, que se va a volcar al estudio de la música, de las tradiciones, de la antropología misma y que llega con algunas variantes hasta los años 50. Donde durante el gobierno peronista, esta acentuación sobre los valores culturales de nuestro país y de nuestra América del sur, se van a manifestar de una forma mas evidente, en la educación incluso. Todos estos factores van a ser el fermento de lo que ocurra en los años 60 donde van a aflorar el folklore, las danzas, la interpretación de instrumentos nativos o la asimilación de los mismos. Durante el primer gobierno de Perón se acentúa el apoyo a través de la legislación.

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Para que te enganches...

2011-05-26T13:10:00.000-07:00

Hace un par de semanas la banda de rock Sánchez decidió colgar gratuitamente en su web el disco debut homónimo para “darle la mayor difusión posible” aunque también van a lanzarlo en formato físico. El cuarteto integrado por Bruno Sidoni (Voces, guitarra eléctrica, guitarra acústica y programación), Federico Toscano (Batería), Leandro Llull (Bajo eléctrico) y Sebastian Montes (Guitarra eléctrica), elaboró un trabajo conciso, potente y elegante. Una serie de canciones tributarias del rock clásico de guitarras con finos arreglos y melodías alegres, aunque lo que se narre sea el desencuentro.

“Son canciones simples donde se destacan las melodías, y los arreglos están puestos en las guitarras. Es un disco que puede escuchar cualquiera”, contó Toscano, quien además le da identidad a la banda desde el diseño del vestuario y la web. “El año pasado hicimos una sesión de fotos donde la idea era hacer algo colorido. Notamos que éramos una mezcla de banda de rock de remera y banda clásica de camisa. Entonces vimos que no había ninguna en la que todos usaran chomba…entonces jodiámos en ser una banda de rock piqué. Jugamos con la idea de un rock elegante, hasta medio nerd…pero en vivo transpiramos la chomba”.

Con influencias reconocibles en el sonido de “Lou Reed, Wilco, Bowie y proyectos más actuales como MGMT o Peter Bjorn and John” la banda, que sumó un tecladista a la formación, sigue trabajando en nuevas creaciones. “ Nos dividimos quizás por la edad. Dos integrantes tenemos casi veintiocho y los otros tres son sub-veintiuno y por ahí son lo que escuchan más bandas nuevas. Igual somos de investigar bastante. En lo que estamos haciendo nuevo tratamos de mezclar ritmos, la canción pop con cosas que no sean tan clásicas.

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La banda se presenta junto a Los Peyotes y Amazing Ruckus Trip en Club Italiano (Buenos Aires 1253) el sábado desde las 22

"Hay una tensión entre lo que se resuelve porque es así y entre decir “no, bancá que aparezca lo que es”.

2011-05-18T14:54:00.000-07:00

La reflexión apareció en boca de Julián Zamt (voz, guitarra, percusión, agua, ocarina) al final de la charla que mantuvimos sobre el debut discografico “Ciertos pájaros", del grupo Valeu! que integra junto a Clara Besfamille en voz, piano, guitarra, cajón, calimba, palmas y Nicolás Croci en batería, leguero, percusión, coros, guitarra, glosen.

Formados como trío de folk-pop acústico y experimental al que se le suman invitados como Sebastián Andrés Noya en contrabajo y Jake Falby tocando violín, editaron un precioso disco que contó con el aporte fundamental de Mariano Bilinkis en las etapas de grabación, mezcla y masterizado.

“El grupo se armó mientras íbamos componiendo. Primero armamos todas las canciones y a la hora de grabar hicimos un demo. Ahí metimos más instrumentos de los que tocabámos en vivo, para terminar sacando todo y dejar lo que tocamos en vivo… pero esa experiencia nos dio mil ópticas. Y Lo que estuvo bueno fue que trabajamos con un ingeniero que es un capo. Mariano (Bilinkis) venia de hacer discos de Las Pelotas y Catupecu pero estaba medio cansado del rock. Tenía ganas de probar su versión casera de un experimento que se llama holofonía. Armó una cabeza de maniquí y puso micrófonos en las orejas”, contó Zamt.

En las 11 canciones que integran la opera prima, los Valeu! desplegan una gama de ritmos folklóricos y de otros géneros, texturas, atmósferas y timbres que nos sumergen en paisajes calmos e íntimos como en otros densos y opresivos. Quizás lo que más sorprenda y se disfrute del álbum es el sumo cuidado en los arreglos y el tratamiento sonoro dado a cada tema. Además de los instrumentos convencionales los músicos apelaron al uso de distintos objetos como una pelota de tenis o una botella de agua.

A pesar de esa búsqueda que cosechó resultados interesantísimos, Zamt no considera al grupo como demasiado experimental. “Yo no diría que somos experimentales. Sí experimentamos en los timbres de los instrumentos. Clara trajo eso, ella lo venia laburando de antes, estudio música contemporánea y tiene ese cruce. En mi caso que vengo de Doris, había ya una intención”, explica quien empezó a estudiar guitarra en la Escuela de Música Popular de Avellaneda asombrado porque sus compañeros, que pasaron por allí “podían, en la sala de ensayo, resolver ciertas cosas que a mi me costaban dos meses”.

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Todos estos años de música - Lidia Borda

2011-05-13T12:02:00.000-07:00

De nuestro archivo de voces les dejamos la entrevista con Lidia Borda por su disco "Manzi, caminos de barro y pampa". La cantante entrega parte de un repertorio no tan difundido, que el gran poeta del tango hizo con compositores como Charlo, Sebastian Piana, Felix Lipesker, Pedro Maffia y Hugo Gutierrez.

Con los arreglos de su hermano Luis Borda (guitarra) que consiguió darle a cada pieza una atmósfera propia, el sucesor de "Ramito de Cedrón" contiene una paleta de géneros que no se detiene en el tango, sino que transita la milonga, el vals y, la canción campera. Con su voz firme y elegante Borda nos lleva a recorrer por esos paisajes "entre el campo y la ciudad" que Manzi transitó desde su Añatuya natal en Santiago del Estero, hasta la Buenos Aires que lo vió consagrarse.

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Andrea Ocampo - Poetas del país

2011-05-03T13:14:00.000-07:00

Andrea Ocampo nació en 1968 en Avellaneda, Buenos Aires, pero reside en Rosario desde 1970. Coordina talleres de escritura para niños, adolescentes y adultos, tanto en forma privada como en organismos públicos. Estudió Letras en la Universidad Nacional de Rosario. Colaboró en revistas y diarios de su ciudad y del país, desempeñándose además como jefa de redacción de la revista de literatura Ciudad Gótica. Participó como poeta invitada en el VII y en el XIII Festival Internacional de Poesía.

Es co organizadora de los Encuentros Regionales de Escritores Jóvenes. Desde 2005 produce y conduce la columna de literatura del programa "El aire es gratis", programa emitido de lunes a viernes, de 9 a 12, por Radio Universidad. Y co-conjujo junto a Fernando Avedaño el programa "Libros que Muerden". Publicó “Lo bueno breve”, en 1998 y “Dale Brazos”, en 2001 un libro antológico: "2º edición y sueltos" en 2003. De su próximo libro "Góndola" a publicarse pronto por Editorial "El Ombú Bonsai" nos lee algunos poemas.

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Nuevo Rock Argentino

2011-04-18T13:38:00.000-07:00

En los primeros años de la década del noventa cuando la industria rock se afianzaba a nivel local y se producía un recambio generacional con nuevas bandas, los productores Héctor Emaides -cordobés- y Alejandro Almada -porteño- organizaron en 1993, el Festival Alternativo “Nuevo Rock Argentino” que se pondría en escena hasta 1996. Para el debut, durante las noches del 14 y 15 de mayo, desfilan por el Polideportivo General Paz, de Cordoba; Los Brujos, Martes Menta, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Todos Tus Muertos, Babasónicos, Tía Newton, más los locales Rastrogero Diesel y Abuelas Mecánicas. Ese mismo año en septiembre llega a Buenos Aires a la zona del conurbano y se realiza en La Plata. En edicicones posteriores se hace en Santa Fé y Mendoza.

“La idea en ese momento fue de Perro Musnak, un productor que había echo Los Brujos, justo había puesto una radio en pleno auge de las primeras FMs…la idea de él era hacer un festival que se iba a llamar “Fuck Rock”, iba a ser más mezclado pero se fue armando”, nos contaba por teléfono Alejandro Almada, actual manager de “El mató a un policía motorizado”, entre otras bandas.

Sobre la idea que prosperó con el apoyo de varios nuevos periodistas entre los que estaba Marcelo Franco, otro cordobés, entonces director del suplemento SI! del Diario Clarín, Almada contaba: “Yo producía shows pero no en el centro de Buenos Aires, sino un poco más lejos, por ejemplo Don Cornelio y la Zona, el primer Ataque… después empecé a trabajar como prensa ya en el centro y ahí conocí a Los Brujos, esa fue una banda que explotó. A partir de los show de ellos empezaron a venir grupos nuevos y las compañías, porque ya había pasado la hiperinflación, volvían a querer grabar grupos. Así apareció Martes Menta, Babasonicos, Todos tus Muertos. En el primer Nuevo Rock entramos todos en un colectivo (hacia Córdoba) la prensa, todos”.

En la charla que les dejamos, Almada rememora la época. Repasa surgimientos y continuidades, analiza la industria de aquel momento en relación a la economia, desenpolva anecdotas jugosas e historiza sobre los medios de difuisión, sellos, bandas y estilos.

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+ La foto del posteo pertenece a unas de las primeras sesiones de Los Brujos

Nuevo disco de Cursi y Melancolico

2011-04-14T13:12:00.000-07:00

“Déjate andar y verás que nada morirá...”. La frase de la canción “Hoy llegarás” parece resumir el espíritu del grupo para consigo mismo. Sin apresurarse por grabar ni tocar, y tomando a “Cursi y Melancólico” como “un lado b” pero sin abandonarlo, después de siete años del debut homónimo, el cuarteto integrado por Juan Manuel Godoy en voz y guitarra criolla, Rodrigo Javega en guitarra eléctrica, Carla Colombo en teclados y Leandro Macias en sintetizador, colgó en su pagina para descargar gratuitamente “Secuela”, su nuevo disco.

“Es un proyecto integrado por personas que toca en otras agrupaciones musicales, entonces lo tomamos con mucha calma, pero nos gusta lo que sale cuando estamos juntos”, nos decía Juan Manuel, compositor, cantante y guitarrista. En las 11 canciones donde prevalece el espíritu intimista y reflexivo -como las letras- las atmósferas logradas nos llevan de paseo sobre el pop acústico, el ambient, los aires folklóricos, y hasta un beat más marcado que no deja de ser sutil.

El álbum cuenta además con los invitados; Ignacio Espumado: bajo en 2 y 5; Juan Ignacio Favre: bajo en 1; 9 y 11; Natalio Ragnone: piano en 8; Pablo Jacobo: coros en 1 y 10 y Charlie Egg: programación en 7.La tapa del disco estuvo a cargo del artista plástico David Nahón, cuyo trabajo "-acorde con el latir del grupo- sintetizó la belleza que nutre lo simple".

Escuchá la entrevista

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Eduardo Falú

2011-04-13T11:35:00.000-07:00

Lo van a homenajear así. Con canto y baile y aplausos, pero también invocando su figura, tratando de fijar esa posición que adquiere cuando toca, disfrutando y entregándose a quien lo escuche. El próximo sábado, cuando se inaugure el anfiteatro que llevará su nombre y que tendrá una escultura de su cuerpo completo, realizada en cemento patinado al bronce, con una dimensión de 2,15 metros de alto por 1,20 de diámetro, Eduardo Falú recibirá el reconociendo desde un estudio en Buenos Aires por teleconferencia.

A pesar de la distancia, debido a una reciente neumonía y por recomendación de su medico “para que no se someta a los cambios bruscos te clima”, el músico estará rodeado de amigos y seres queridos. Se anuncia la presencia de “significativos hombres de la cultura”; como el pintor Carlos Alonso, el escultor Antonio Pujia, el “gordo” Saravia, y Cesar Isella entre otros. La obra que está siendo realizada por diferentes estudiantes de arte y se encuentra supervisada por el director de Cultura, el escultor Mario Vidal Lozano, es parte de este reconocimiento que le propiciará la ciudad norteña a “uno de los mayores exponentes de la música folklórica latinoamericana, creador de composiciones musicales que llevaron la cultura de Salta a los públicos de todo el mundo”. La fiesta coincide con el festejo por los 429 años de la fundación de Salta, el 16 de abril 1582.

Vida y Obra

Entrevistado por nuestro programa en la sección “Vida y Obra”, donde escuchábamos y comentábamos a Eduado Falú, el poeta y actual Director de Cultura de Salta, Hugo Roberto Ovalle nos decía: “Es un hombre que cambia, junto con Jaime (Dávalos), la cancionística latinoamericana. Dicho inclusive por Chabuca Granda. Ellos dan vuelta la famosa tonada cuyana y chilena con su “Tonada del viejo amor”. Y respecto al estilo del creador de grandes melodías para poemas de Manuel J. Castilla, Osiris Rodríguez Castillos, León Benarós, César Perdiguero o Hamlet Lima Quintana, sintetizaba: “Los cambios que hace Falú en la guitarra, en la música popular Argentina son muy sutiles. Hay que fijarse mucho para darse cuenta. No es un hombre explosivo o aparentemente contundente en los cambios, es simple. Además el alternó la tradición académica con lo absolutamente popular. El ahí produce una simbiosis que casi no se nota. Además toca de una forma y va cantando con el ritmo de otra. Y su voz es otro instrumento”.

Nacido el 7 de julio de 1923 en El Galpón, pequeño poblado salteño, donde permaneció poco tiempo, su infancia transcurrio en el Departamento de Metán: "Mi padre era bastante soñador. Nunca se enriqueció con su comercio. Andaba siempre con la Biblia, leía los versos en árabe, amaba la poesía. Aún percibo el olor de los lazos, cueros y quesos con que mi padre llenaba el carruaje. Allí tuve mi primer caballo, "El Potro". Al negocio de almacén cayeron un día, para la venta, unas guitarras. Entre ellas y los serruchos que colgaban se estableció, en los días de algún breve temblor de tierra, una especie de vibradora y temblorosa sinfonía, muy curiosa, que, a lo mejor, me introdujo en el mundo de la música…", contó Falú alguna vez.

Desde aquellos días de iniciación musical alrededor de los 11 años, atraído por una guitarra de su hermano mayor Alfredo, Falú se volcó definitivamente al instrumento a los 14, cuando en 1937 la familia se mudo a Salta Capital y él empieza a relacionarse con Arturo Dávalos y Jaime Dávalos. Para A los 17 años debutó en Radio LV9 de Salta con un programa diario integrando el conjunto Los Troperos, y luego realizó una gira por el norte como solista. Ahí nomás fue convocado por Buenaventura Luna y formó parte de "La Tropilla de Huachi Pampa".

*** el mejor premio es el que me da la gente con su aplauso. Y no me lo quedo como un aplauso para disfrutarlo con egoísmo. Lo siendo como un aplauso para mi país, para mi provincia. El hombre es tierra que anda. Todo lo que uno tiene adentro y entrega en el arte es lo que su tierra le dió para nutrirse. Tocar me llena de alegría y felicidad, me ayuda a vivir***

Salir del pago

Inaugurada la década del 40` Falú forma un dúo con su compañero de secundaria Cesar Perdiguero con quien compone temas con ritmo andino; como el Carnavalito, el Huaino, el Bailecito ("Tabacalera", "Albahaca sin carnaval" e "India madre") Con este “cantor, poeta…gran showman, hombre ingenioso y completo que se dedicó al periodismo” al decir de Ovalle, deciden viajar a Buenos Aires y allí se instalan en el 45’ para presentarse en distintas emisoras, aunque al poco tiempo Perdiguero decide volver a Salta. Falú en tanto se hace local y se contacta con otros músicos: "Aquí trabajé en "Sagaró", donde pasaron los hermanos Abalos, Ariel Ramírez, Yupanqui. El folclor recién estaba calando en la gente. Era para un publico muy selecto solo se escuchaba tango, boleros, música extranjera”, contaba el propio guitarrista.

Afincado y adquiriendo cada vez mas notoriedad Falú “se vuelve una gran figura en los 50` luego de firmar "Zamba de la Candelaria" (1949) junto a Jaime Dávalos y ser grabado por Los Chalchaleros además de, en 1950, grabar su primer disco simple en el sello TK con la "Vidala del nombrador". Luego de una estadía en Salta regresa a Buenos Aires para estudiar armonía con Carlos Guastavino y perfeccionarse. A partir de entonces inició una serie de ciclos radiales y televisivos, grabó discos y realizó giras que le dieron prestigio internacional. Desde ese momento el músico viene tocando ante públicos de Estados Unidos, Unión Soviética, Japón, España, Francia e Inglaterra, y realizando en nuestro país actividades de otra índole pero ligadas a la música.

Nuestro entrevistado se remontaba a los dias en que conoció al “gran melodista” a instancias de su padre para describirlo con admiración: “Yo lo conozco desde muy chico porque era muy amigo de mi padre. Comienzo a publicar a partir de los 60` y pude entrar con otros de mi generación en esa especie de parnaso provincial donde estaban Castilla, Cuchi, Jaime, Nella Castro, Anzoátegui. Y a Falú lo respeto también por su inmensidad ontológica que tiene como ser humano. Es uno de los más sensibles, mas rescatados, mas silenciosos y a la vez mas valiente que visto, incluso en los aspectos de la política. Hacia el año 1977 publica una solicitada en contra de un arzobispo en Salta que decía que no teníamos desaparecidos. El tiene un sobrino que es el hermano de Juan (Falú)…Y eso no lo hacía nadie en ese tiempo”.

Tonolec sigue la huella

2011-04-11T12:59:00.000-07:00

En los “Los Pasos Labrados”, tercer disco, el dúo Tonolec ofrece su propia mirada de siete composiciones del repertorio étnico y criollo de Latinoamérica. Puestas en confrontación con la instrumentación electrónica que Charo Bogarín y Diego Pérez utilizan desde su primer álbum, estas canciones clásicas y potentes se transforman ante nuestros oídos una vez más pero no pierdan su valor originario.

En charla con nuestro programa Perez comentó: “Intentamos mezclar lo que es de raíz y es ancestral con la tecnología contemporánea. De esa manera buscamos nuestra esencia. Creemos que se está dando en el país y en Latinoamérica. No hay que olvidar que la tecnología es una herramienta y que el contenido y el concepto lo tenemos que poner nosotros. Cuando está en pos de una idea son útiles pero no hay que quedar esclavos. Desde el comienzo la idea fue hacer una fusión integral y ese planteo se mantiene como una base del dúo”.

Zamba para Olvidar (Daniel Toro), Cinco Siglos Igual, en lengua toba (León Gieco-Luis Gurevich); el chamamé Cacique Catán, en lengua Mocoví (Luis Mendoza y Tránsito Cocomarola), Duerme, Duerme Negrito (recopilada por Yupanqui frontera entre Colombia y Venezuela), El Cosechero (Ramón Ayala) y la gran “Que he sacado con Quererte” de la chilena Violeta Parra, multiplican sus tonos y posibilidades bajo el tratamiento del dúo chaqueño. Es muy interesante también la versión de Antiguos dueños de las Flechas (Indio Toba), de Ariel Ramírez y Félix Luna, donde la que canta es Rosalía Patricio, integrante del Coro Toba Chelaalapí. Este mismo tema aparece como bonus track en formato video, dirigido por Alejandro Butula, en una versión marcadamente electrónica filmada con vestuario y estilismo a cargo de la diseñadora Luz Arpajou.

“En este disco, si bien mantuvimos el idioma y tratamos de seguir difundiendo la lengua toba, abrimos a la música criolla y latinoamericana. Nos pareció interesente hacer como una especia de homenaje a los compositores de ese folklore, para, de alguna manera, reivindicar lo que hay acá. En el caso de las comunidades tobas, la idea es darlas a conocer por lo que tienen y no por lo que les falta, que viene siendo la figurita repetida. Hay cosas que les falta, pero está bueno valorar a una cultura por su música, sus conocimientos con respecto a la naturaleza. Nosotros somos músicos pero lo que hacemos es reivindicar la gran riqueza que existe en las culturas originarias de Latinoamérica”, contaba el músico.

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La música y la guerra

2011-04-05T14:32:00.000-07:00

A Carlos Giordano el cambio le llamó la atención. Cuando este primer colimba en desembarcar en Malvinas llegó a Puerto Argentino, lo que se escuchaba en la radio era tango y boleros. En esas radios de trinchera solo se sintonizaba la señal de Provincia y Colonia. Y como él tenía conocimientos sobre comunicaciones les explicó a sus compañeros que se debía a dos factores muy simples: por la orientación de las antenas y por el efecto espejo que hacía el agua. El tema es que a los pocos días de haber arribado a la tierra prometida, desde el parlante pegado al oído, también llegaban algunos temas que se aprendería rápido por el nivel de repetición en las programaciones. “Era en abril” del rosarino Jorge Fandermole; en la voz de Juan Carlos Baglieto, “Va por vos” de Zas, grupo de Miguel Mateos y “Solo le pido a Dios”, de Gieco, convivían sonoramente con la furia de las bombas. Claro que como Carlos sabía de sonido, también aprendió a descifrar la otra música, más fatal. “Si la frecuencia era grave no había problemas. Pero si, en cambio, el viento sonaba como un inmenso violín en busca de la nota más alta, entonces había que resguardarse, porque las bombas venían con puntería”, narra Sergio Pujol en “Rock y Dictadura”.

En los días de guerra, la irrupción en radio y tv, del material musical de impronta joven junto a los clásicos hasta un tiempo cercano prohibidos, se debió, entre otros factores, al ataque chauvinista que se había generado en la ciudadanía. Si el comunicado Nº 19 de marzo del 76’ decía muy claramente que “será reprimido con reclusión de hasta diez años el que por cualquier medio divulgare noticias, comunicados o imágenes, con el propósito de desprestigiar las actividades de las fuerzas armadas”, lo que comenzó con la censura a artistas, intelectuales y cualquier persona en discordancia con el proceso, ahora, las directivas que bajaban desde el COMFER venían con nueva carga de significación. Desde el golpe de estado, poner al aire música que figuraba en las listas podía costar multas, el levantamiento del programa, o el llano amedrentamiento, pero las nuevas órdenes entre abril y junio de 1982 eran claras bajo otra forma de censura...nada de música en ingles. La locutora Graciela Mancuso recordaba: “Tenían fiscalizadores de aire que escuchaban todos los programas. Eran del ejército o soldados, chicos que estaban en el servicio militar. Analizaban las letras, descifraban las cintas a ver si había códigos…”.

Ahora, en el nuevo contexto, donde el enemigo no era el “guerrillero apátrida” sino el invasor extranjero, esas medidas cosecharon cierta aprobación entre la población. Como muestran varios testimonios de la época, la misma audiencia llamaba a las emisoras para quejarse de tanto “I love you” y cosas por el estilo. De este modo, en argentina, se equiparaba a Margaret Thatcher (primera ministra Británica) con Jhon Lennon. Según analiza Pujol, “la llegada del rock a la superficie no se da en base a una maduración cultural” o de conciencia aperturista sino a causa de la erradicación compulsiva de todo lo que proviniera del imperio.

Un caso emblemático de la resignificación en la música sucede con la canción de León Gieco “Solo le pido a Dios” que pronto se convertiría en un himno. El autor rosquinense la había compuesto sensibilizado por el conflicto de nuestro país con Chile por el Canal de Beagle que, mediaciones mediante, llegó a impedirse. Pero ahora, un tema de tono netamente pacifista quedaba cercano al tufo dictatorial. El propio Gieco, también exiliado durante la época, contaba que su canción le generaba emociones encontradas y contradicciones. Después de cantar su tema en el “Festival de la solidaridad Latinoamérica”, al que habían convocado músicos y productores, León disparó corriendo a su casa con el sentimiento de haber hecho algo en contra de su voluntad. Ese acontecimiento se produjo el 16 de mayo en el estadio de Obras, con el objetivo de recaudar abrigos y alimentos (el precio de la entrada) que los mismos militares recogían en camiones del ejercito para nunca mandarlos a quienes debían llegar. El recital al que asistieron 60 mil jóvenes duró cuatro horas en medio de la emoción y la congoja. El mensaje implícito de que el festival “era por la paz y no apoyando la guerra” fue aclarado por Cantilo y Spinetta antes de tocar.

Sobre el escenario estuvieron además; Solulé, Molinari, Dulces 16, Ruben Rada, Nebbia, Charly Garcia y otros. Un grupo en acenso que netamente desechó la invitación a tocar fue Virus. Los Moura se negaron a poner su nombre al lado de los que habían secuestrado y asesinado a su hermano Jorge. Al poco tiempo, en un acto de contestación poderoso, grababan “El Banquete” en su segundo disco “Recrudece” de 1982: “Nos han invitado/ A un gran banquete/ Habrá postre helado, Nos darán sorbetes/ Han sacrificado jóvenes terneros/ Para preparar una cena oficial…”. En una entrevista reciente Marcelo Moura decía: “ La dictadura me ha dejado un profundo dolor que me acompañará por el resto de mi vida: ellos secuestraron y asesinaron a mi hermano Jorge. Hoy, más allá de que hacen falta cosas para cerrar el tema dictadura, me pone la piel de gallina ver a seres como Videla, que se justifican diciendo que fue una guerra. Hasta las guerras tienen sus códigos: una cosa es morir en combate y otra muy diferente es capturar a alguien, torturarlo y asesinarlo como ellos lo hicieron. Como banda, la dictadura obviamente nos afectó: había que manejarse con metáforas para decir lo que se pensaba; e incluso así se corría el riesgo de que las entendieran. En Virus nunca tuvimos miedo, incluso tuvimos muchos problemas por rechazar tocar en el Festival de la Solidaridad, por Malvinas. Siento orgullo de haber tenido las agallas”.

Es la hora

Los comentarios de la prensa posteriores al festival declaraban que había llegado “La hora del rock nacional”, como tituló la revista Pelo en su numero 162. Y Somos, otro medio grafico, jugó en el titular con una metáfora epocal: “El Rock en el frente”. Eso que ahora se declaraba desde los titulares ya estaba en el aire. El 80 % de la música radial era nacional, y la tv se hacía eco de lo sucedido con los programas “Rock R.A” (canal 13) y “P.P.M (ATC). Claro que estos ciclos saldrían del aire un tiempito después cuando ya no había una guerra que justificara tanto ataque nacionalista.

No solo se organizaron festivales de rock para enviar apoyo simbólico y material a los soldados. Con el desembarco en Malvinas la Junta logró que la Plaza de Mayo se llenara cuando Galtieri habló desde el balcón de la Casa Rosada. Allí midió cada una de sus frases y se envalentonó antes las miles de personas que compraban el discurso belicista. Hablo de “paz con dignidad” y de una “preparación para enfrentar al adversario”. También disparó que el “pueblo argentino es profundamente religioso y católico”. Cada brabuconada del dictador contra la Corona y la Flota Británica era recibida con vítores desde abajo. El chauvinismo se apoderó de casi todo. Hubo solicitadas y convocatorias de apoyo de La Asociación Argentina de Actores, La Asociación Argentina de interpretes. Argentores, Asociación Argentina de Artistas Plásticos, Decuna y Teatro Abierto. Entre los referentes consumados de la música argentina que no pertenecían al rock hubo signos de aprobación. Astor Piazzolla estrenó en el Teatro Regina un tema dedicado a “Los Lagartos”, cuerpo especial de la Marina conducido por Alfredo Astiz en las Georgias del Sur. Tiempo después, en una entrevista a la revista Gente en 1990, el bandoneonista reflexionaba sobre el hecho: “Yo hice mucha música para cine y nunca le pregunté al director y los productores para dónde pateaban políticamente. Lo único que pedía era libertad para crear, para hacer lo mío. En el caso de Los Lagartos debo confesar que sí, que me equivoqué. Mientras hacía los recitales en el “Regina” me impactó ver en televisión ese hecho heroico. Me gustó todo, el nombre (lagartos) y ese acto machazo de tomar las Islas Georgias del Sur. Yo no sabía quiénes eran, solo vi un grupo de argentinos poniendo el pecho por su país. A los pocos días que dediqué el tema viene un amigo radical, que actúa en Franja Morada, y me dice: “¿Qué hacés? ¿Estás loco?, y me contó todo. Ahí me desayuné quién era Astiz. Ahí mismo borré el tema del repertorio, pero no lo tiré, era muy lindo”.

Tantas veces me mataron…

Desde comienzos de 1982, y durante los días previos a la guerra, algunos hechos artísticos que vivió el país hacían creer que se venía una leve apertura. Había quedado atrás el núcleo duro de la represión (1976-80), a pesar de que no acabaría del todo, y los cambios de nombres entre los militares eran una muestra de debilitamiento. Inclusive, desde mediados del año anterior (1981) con la llegada de Viola a la presidencia (del 29 de marzo de 1981 al 11 de diciembre del mismo año) en reemplazo de Videla, se intentaron “acercamientos” hacía los jóvenes y su mundo. La iniciativa militar recomendad por Viola a sus subalternos se tradujo en conversaciones con músicos y productores de la industria en las oficinas de Ricardo Olivera, “especie de operador vinculado al ambiente militar”. Por allí pasaron Charly Garcia, David Lebón, Rodolfo García, León Gieco, Spinetta y Grinbank, entre otros. Por su parte, el interventor del COMFER, Feroglio, aseguraba que no existía la censura. Pero la publicación de una lista de 242 “temas musicales prohibidos” por parte de Clarín en octubre del 81 produjo un cimbronazo. Durante ese año, varios artistas que gozaban de cierto prestigio (Nebbia) y otros que irían a renovar las anquilosadas estructuras del rock del país en la decada del 80 regresaban de su exilio; Miguel Zabaleta (Sueter), Miguel Abuelo (Los Abuelos de la nada).

Pero el gran regreso a la escena pública se produjo durante el verano del 82. Mercedes Sosa volvía para cantarle a su pueblo, aunque ya comandaba el país el general “de los dos whiskies a la mañana”, que aprovechando el internamiento de Viola, a causa de problemas cardíacos, se había hecho cargo de los designios de argentina y nos llevaría a la guerra en su intento de salvataje final del proceso. La Negra, calificada de “comunicador llave” en los informes de la SIDE, seguía siendo un sujeto peligroso por su alta convocatoria. De vuelta de un exilio de tres años se preparó para brindar sus conciertos en el Teatro Ópera, durante 11 días, desde el 18 de Febrero. Como narra Pujol en “Rock y Dictadura”, “cada función abrió con un aplauso largo y una lluvia de claveles. Escoltada por Omar Espinosa en guitarra y charango, José Luis Castieñeira de Dios en bajo y arreglos, y Domingo Cura en percusión…ni bien pisó el escenario pudo comprobarse que era la de siempre. Un poco más grande, un poco más abierta en su repertorio. Un poco más popular entre la gente que no comulgaba con el folklore”.

Esas noches cargadas de emoción se vivieron con un repertorio entre clásico y renovado y con varios invitados de la órbita del rock como León Y Charly. A pesar de que la larga noche en la que estaba sumida el país no se terminaría hasta un tiempo después y todavía faltaba pasar momentos de mucho dolor, puede pensarse a estos recitales como la comprobación de que el pueblo argentino estaba cansado de marchar a par de la música militar. Así como dijimos que “Solo le pido a Dios” se resignificó en el marco del proceso, el tema “Como la cigarra” que también cantó en sus conciertos, se iría convirtiendo, desde la voz de Mercedes, en una bandera para los tiempos que vendrían. Concebido en 1974, sin proponerse ser una canción social, el tema se fue llenado de sentidos por la carga que le depositaban artistas y publico en un mismo deseo de paz y libertad para seguir cantando: Tantas veces me mataron/ tantas desaparecí/ a mi propio entierro fui/ sola y llorando. Hice un nudo en el pañuelo/ pero me olvidé después/ que no era la única vez/ y volví cantando…Cantando al sol como la cigarra/ después de un año bajo la tierra/ igual que el sobreviviente/ que vuelve de la guerra.

Este texto fue escrito en base a:

Rock y Dictadura – Sergio Pujol – Planeta 2007
Canciones Argentinas – Sergio Pujol – Emecé 2010
Historia del rock en argentina – Marcelo Fernández Bitar – Distal 1999
Música y Dictadura, Por qué cantábamos – Laura Santos, Alejandro Petruccelli, Pablo Morgade – Capital intelectual 2010.